Tamara wurde in Serbien geboren, in der Schweiz wuchs sie auf und in London erhielt sie ihre Ausbildung bevor sie sich in Brüssel niederließ, wo sie seither wohnhaft ist. In Großbritannien arbeitete sie mit Rosemary Butcher und Simon Vincenzi und in Brüssel mit Peeping Tom (Vader, The Land). Seit 2016 arbeitet sie als Tänzerin und Choreographieassistentin eng mit der in der Schweiz beheimateten Choreografin Tabea Martin zusammen. Als freischaffende Künstlerin und Performerin gibt sie sowohl Unterricht als auch arbeitet und performt sie in Europa unter dem Künstlernamen Le Facteur.

Seit unserem Kennenlernen fühlten wir uns zu der Idee hingezogen eine künstlerische Praxis zu entwickeln die das Ziel hat unterschiedliche Wünsche, Begierden, Bedürfnisse, und Arten des Ausdrucks und der Vorstellungskraft frei fließen zu lassen. Aufgrund des Levels der Körperlichkeit und Verkörperung in unserer künstlerischen Herangehensweise beschlossen wir dass Bewegung das Zentrum dieser Praxis bilden sollte. Wir verstehen die Idee einer Bewegungspraxis als dynamisches Konzept welches sich abhängig von der Wahl unserer individuellen Ziele oder gewünschten Erfahrungen verändert und anpasst. Das Erlernen neuer Dinge, die Verfeinerung von Fähigkeiten, das Kreieren, das Choreographieren, die Regiearbeit, das Performen. Die Praxis wird ein Handwerk das vom Tun und von der Umsetzung bestimmt wird. Diese Art von Arbeit macht uns per Definition zu Handwerkerinnen und Handwerker unserer eigenen Vorstellungskraft, unserer Ideen und Gefühlen. Wir haben beide weltweit als professionelle Tänzer für viele Tanzkompanien gearbeitet und vor kurzem eine eigene Kompanie gegründet: Tanzkompanie Wonderground. Roser wurde in Tarragona, Spanien geboren. Tom wurde in Haifa, Israel geboren. Wir sind zurzeit in Barcelona ansässig.

Guy Nader graduierte am Institut National des Beaux Arts an der Libanesischen Universität in Beirut mit einem BA in Drama. Er erhielt das danceWEB Europe Stipendium in 2012 und den ersten Preis für sein Solo Where The Things Hide beim Masdanza International Festival in 2010. Er ist assoziierter Künstler am La Caldera in Barcelona.

Maria Campos studierte am SEAD in Österreich und in den Niederlanden, wo sie an der Amsterdam School of the Arts (MTD) in 2003 ihren Abschluss machte. Sie arbeitete bereits mit Meekers, Protein Dance, Sol Picó, Angels Margarit/Cia. sowie Mudances. GN|MC Guy Nader | Maria Campos sind Residenzkünstler am Mercat de les Flors in Barcelona.

GN|MC Guy Nader | Maria Campos ist ein freischaffendes Ensemble aus Barcelona, Spanien. Der libanesisch-spanische Künstlerpaar arbeitet bereits seit 2006 zusammen und präsentiert seine Arbeiten auf zahlreichen Festivals und in Institutionen auf der ganzen Welt. GN|MC wurden als Gastchoreografen von verschiedenen europäischen Kompagnien eingeladen, dazu zählen: EnKnapGroup in Slowenien, Eva Duda Dance Company/Movein Mission in Ungarn sowie die Tanzmainz Kompagnie in Deutschland. GN|MC erhielten 2017 den Deutschen Theaterpreis DER FAUST 2017 für ihre Arbeit FALL SEVEN TIMES, welches sie mit dem Tanzmainz Ensemble des Staatstheaters Mainz in Deutschland erarbeitet haben.

Francisco Córdova ist in der internationalen Tanzszene als Performer, Choreograf und Tanzpädagoge tätig und war Teil von etlichen Festivals und nennenswerten Institutionen in über 30 Ländern weltweit. Als Performer und Workshopleiter ist er zurzeit einer der bekanntesten Stellvertreter der europäischen zeitgenössischen Tanzszene. Er hat einen Masterabschluss in Theaterwissenschaften und Regie und einen zweiten in Bühnenbeleuchtung vom Institut del Teatre (IT) in Barcelona, Spanien. Er hat zeitgenössischen Tanz an der National school of Dance in Mexiko studiert und sich in Montreal, Canada und in New York in den Vereinigten Staaten weitergebildet. Er ist Leiter seiner eigenen Kompanie Physical Momentum, des ATLAS Mexico Festivals, und des Trainingsprogrammes Técnicas de Movimiento (TDM). Er ist außerdem ein direkter Schüler von David Zambrano. Er arbeitet bereits seit 19 Jahren ohne Unterbrechung als professioneller Künstler und war in dieser Zeit in zahlreichen Kompanien und Projekten mitgewirkt. Seit 2006 entwickelt er seine methodologische Herangehensweise Body-Action, welche er in Form von Workshops an den renommiertesten Kunstzentren weltweit unterrichtet hat. Er wurde ein fundamentaler Teil des akademischen Netzwerkes in Europa, Asien und Lateinamerika. Sein Research und seine Trainingsmethode ragen neben den wichtigsten Vorreitern des zeitgenössischen Tanzunterrichtes heraus, und seine Workshops werden an Festivals, Institutionen und in Schulen auf der ganzen Welt angeboten.

der gebürtige schwede fabian wurde von 2004 bis 2006 im circus space london und anschließend am le lido in toulouse (2006-2008) als Zirkuskünstler ausgebildet. er spezialisierte sich dabei auf chinesische stangenakrobatik. nach abschluß seiner ausbildung trat er von 2009 bis 2015 der französischen zirkuskompagnie collectif aoc bei. er war an den produktionen autochtone, un dernier pour la route und les vadrouilles beteiligt. im jahr 2010 begann er mit der internationalen theatergruppe obra zusammen zu arbeiten und gehört inzwischen zur Stammbesetzung bei ihnen. zusammen entwickelten und tourten sie das Stück gaudete. ihre nächste produktion wird ibidem heißen. 2011 startete er zusammen mit der tänzerin marie wårell ‘project i19’ und brachte das stück layers von 2013 bis 2014 auf internationale bühnen. ihre zweite produktion birds (come back to bones) entstand unter dem label dansinitiativet und feierte im april 2018 premiere. 2018/2019 choreografierte er New Sites, ein Werk das vom Theater Bielefeld beauftragt wurde und den Preis der besten Performance beim KING Festival in Novgorod 2019 gewann. fabian hat weitreichend in ganz Europa und weltweit als solokünstler und pädagoge gearbeitet. seine derzeitige lehrtätigkeit konzentriert sich auf Floorwork, flying low und die vermittlung der ansätze der OBRA Theaterkompanie.

die katalanin lali ayguadé (1980) graduierte am institut del teatre in barcelona und bei parts in brüssel. sie begann ihre professionelle karriere bei der publik eye company und anschließend bei der akram khan company, für welche sie in ab 2003 in zahlreichen produktionen performte. sie arbeite außerdem mit roberto olivan (enclave dance company), hofesh shechter, marcos morau von la veronal und mit der zeitgenössischen zirkusgruppe baró d’evel. als choreographin entwickelte sie drei duette: incognito, saba und das duett de camino al otro” zusammen mit dem akrobaten julian sicard. sie schuf außerdem zwei abend füllenden stücke: kokoro und iu an mi, welche von mercat de les flors und temporada koproduziert wurden. mit joana gomila kollaborierte sie für die arbeit folk en movement. in 2018 wurde sie vom theater bielefeld eingeladen, um ein stück zu entwickeln und zu leiten, welches durch die arbeit von gerhard bohner inspiriert ist. Ihre jüngste Produktion HERE kreierte sie zusammen mit dem Tänzer und Choreografen franco-marroquí Guilhem Chatir. Lali wurde 2010 als Außergewöhnliche Tänzerin für die Critics Awards in London, 2014 als Best Creator durch das Time Out Barcelona und 2016 als Best Dancer für die Recomana.cat Critics Awards in Barcelona nominiert. Der Kurzfilm TIMECODE in dem sie als eine der Hauptfiguren auftrat, wurde beim Festival de Cannes mit der Palme d'Or, dem Goya Award und dem Gaudi Award ausgezeichnet und für die Oscars 2016 nominiert. Lali teilt ihre Bewegungstechnik und die Recherchearbeit ihrer Kreationen auf der ganzen Welt durch Workshops und intensive Unterrichtsprogramme.

Nadine ist eine freischaffende Tänzerin, Choreografin und Lehrerin. Sie hat für zahlreiche Choreografen und Kompagnien gearbeitet wie Dave St.Pierre Inc. Montreal bei den Stücken: La pornographie des ames, Un peu de tendresse bordel de merde und Foudre. Die Zusammenarbeitet dauerte vier Jahre und sie tourten durch Europa und Kanada. Mit Francisco Cordova und dem Physical Momentum Project Mexico tourte sie durch Spanien, mit der Anna Holter Company in Schweden und mit Stephan Herwig und Katja Wachter arbeitete sie für Selfish shellfish in München. Nadine gibt Workshops und erarbeitet Tanztheater Stücke für Kompagnien und Ausbildungszentren weltweit. Sie teilt kontinuierlich ihre Leidenschaft, ihr Wissen und ihre Neugier für Bewegung und den kreativen Schaffensprozess. Ihre Zusammenarbeit mit internationalen Tänzern und die vielfältigen Erfahrungen sind immer währende Quellen für ihre Bewegungs- und Tanzuntersuchungen. Im Jahr 2011 hat sie ihr Projekt Cia Nadine Gerspacher gegründet und 2015 als Choreografin das Projekt Heart des Cirque du Soleil mit begleitet. 2016 arbeitete sie mit der Nicolas Ricchini Company für das Stück A sweet hello / Ever after zusammen und entwickelte das Solo Nua mit ihrer eigenen Kompagnie, für welches Anna Castells und Lali Ayguade als externe Experten hinzugezogen wurden. Nadine erhielt den Isadora Preis für ihre Arbeit als Tänzerin, Choreografin und Lehrerin von der Iwanson-Sixt Stiftung in München im Jahr 2017. Zur Zeit arbeitet sie an ihrem neuesten Stück: The age of aquarium. Diese Produktion wird unterstützt vom Kulturamt Freiburg im Breisgau und von LAFT, der Baden - Württemberg Stiftung für Zeitgenössischen Tanz. In 2018 hat sie mit Nicolas Ricchini das Stück und Performance-Programm FRE3 BODIES in Barcelona entwickelt.

Luke Jessop ist Künstlerischer Leiter und Gründer von Ion Tribe, einer Tanztheater-Kompagnie, die sich darauf spezialisiert hat, mittels Theaterproduktionen, Workshops und Festivals die wissenschaftliche Deutung der Gesellschaft zu improvisieren. Unter dem Label Ion Tribe entwickelte Luke die Solo-Arbeit Letter to my Newborn Child und arbeitet derzeit an dem Duett The Red Queen, welches 2019 Premiere feiern wird. Luke erhielt seine Ausbildung in Großbritannien an der University of Bedfordshire und arbeitete anschließend mit der britischen Kompagnie 2Faced Dance für das dreiteilige Stück In The Dust und der Southpaw Dance Company für das Stück Carousel. Im Jahr 2012 zog Luke nach Brüssel, um mit Ultima Vez / Wim Vandekeybus an und in seinen Stücken zu arbeiten. Dazu gehören booty Looting, Talk to the Demon, Spiritual Unity, FEAR NOT und In Spite of Wishing and Wanting (Wiederaufnahme). Luke unterrichtet regelmäßig seinen eigenen kreativen Stil von Tanzakrobatik Riding The Curve auf Festivals und in Schulen in Europa und wurde beauftragt, Arbeiten für zahlreiche Schulen und Institutionen zu entwickeln.

Ella Rothschild wurde 1984 in Israel geboren. Sie ist Choreografin, multidisziplinäre Künstlerin und Tänzerin, und arbeitete mit Inbal Pinto, Avshalom Pollak Dance Company und Batsheva Dance Company unter der künstlerischen Leitung von Ohad Naharin. Zurzeit tanzt Ella für Crystal Pite/Kidd Pivot. Seit 2010 choreografiert sie ihre eigenen Werke in Zusammenarbeit mit etlichen Künstler(inne)n verschiedener Disziplinen. Neben Tanz integriert sie auch visuelle Kunst und Musik in ihre Arbeit. 2016 erhielt Ella den Rosenblum Performing-Arts Preis von der Stadt Tel-Aviv für den Erfolg versprechendsten Choreografen des Jahres 2016, sowie den Preis des Bundesministeriums für Kultur. Von 2016 bis 2018 kreierte Ella die Werke Acord, 12 Postdated Checks, Judah, Jesus With Soy, Sal, Flood, Dood, and IMO the mouth is redundant welche in New-York, Tokyo, und Tel-Aviv gezeigt wurden. 2018 kreierte sie Feed für die Kompanie Eliane Fetzer de Danca Contemmporanea (Brasilien) und Timeline für die Balletto Teatro di Torino Dance Company (Italien). Ihre jüngste Produktion Futuristic Space wurde beim Festival Dance, Dance, Dance Yokohama 2019 im Red Brick Theater in Yokohama, Japan, als Eröffnung des Festivals uraufgeführt. Dieses Jahr erhielt sie eine Residenz am BAC-Baryshnikov Kunstzentrum in NYC. Darüber hinaus ist Ella auch Artist in Residence im Suzanne Dellal Centre als Teil dessen ersten Residenz-Programmes für Künstler/innen, und arbeitet dort an einer neuen Kreation die 2020 uraufgeführt wird.

akira yoshida begann im alter von 13 jahren mit ein paar freunden aus spaß breakdance zu tanzen und gewann mehr als 50 wettbewerbe in spanien, frankreich und österreich. mit 22 wendete er sich dem theater zu und trat der kompagnie quieroteatro bei, mit welcher er in drei verschiedenen produktionen auftrat. außerdem arbeitete er mit jordivilaseca cia. In dieser zeit begann er auch mit bewegung zu experimentieren, um seine Bewegungssprache zu erweitern, und näherte sich so dem zeitgenössischen tanz. Er erhielt das stipendium für künstlerische studien von der Landesregierung navarra und begann aufgrund dessen eine tanzausbildung am institut sead. während der zeit seines studiums arbeitete er mit der österreichischen kompanie hungrysharks und tourte mit ihnen durch mitteleuropa. akira verließ sead für eine weile, um mit roberto oliván an seiner neuen Produktion cuculand souvenir zu arbeiten. Während des letzten Jahres arbeitete er auch für Francisco Córdova in seiner Kompanie physical momentum. sein solo home präsentierte er an herausragenden orten in spanien, sowie in frankreich, griechenland, italien, Deutschland, Schottland, in der Slovakei und in Österreich. 2019 ko-kreierte und performte er das Stück Who Is Frau Troffea?, eine Langzeit-performance die 7 Stunden umfasst und 11 Tage in der Reihe an mehreren öffentlichen Orten in München gezeigt wurde. Akira unterrichtete außerdem an Tanzfestivals wie b12 (Berlin), Summer Intensive (Portugal), sowie in anderen Ländern in Europa und demnächst auch in Mexiko, Kolumbien, Bolivien, etc.

Jarkko Mandelin ist ein in Helsinki ansässiger Choreograf, Tänzer und Tanzpädagoge. Er ist der Gründer und künstlerische Leiter von der Kinetic Orchestra Tanzkompanie. Nach dem Abschluss seiner Ausbildung an der Ballettschule der Finnischen Nationaloper hat er ein Bachelor- und Masterstudium (Choreografie) an der Theater-Akademie Helsinki absolviert. Jarkkos künstlerische Arbeit für die Kinetic Orchestra Kompanie sind eine Kombination aus Tanztheater, anderen Bewegungstechniken, Slapstick und bildenden Künsten. Alle Tänzer/innen der Kompanie haben eine solide Ausbildung im zeitgenössischen Tanz, sowie in Ballett und einen mehrjährigen Hintergrund im Training von Streetdance, Breakdance, Capoeira oder Akrobatik. Jarkkos Arbeit wird zurzeit von einer dreijährigen Förderung des Finnischen Bundesministerium für Kunst (Taike) unterstützt.

Oskari Turpeinen ist ein in Helsinki lebender Tänzer und Tanzpädagoge mit einem Bachelor-Abschluss im Fach Tanz der Theater-Akademie Helsinki im Jahr 2013. Oskari ist hauptsächlich ein freischaffender Tanzkünstler, hatte aber auch Anstellungen wie z.B. Im Western Regional Theatre of Borås in Schweden, im Jahr 2015. Seit 2016 arbeitet Oskari mit Kinetic Orchestra. Oskari leitet zurzeit Monkey Garden, die Dachorganisation von Kinetic Orchestra und der Tanzschule Vapaa Tanssikoulu.

ANNAMARI KESKINEN ist eine Choreographin und Tänzerin aus Helsinki, Finnland. Ihr Ansatz bezieht sich auf Wesenheiten und wie sie sich in verschiedenen Formen manifestieren. Wie eine Wesenheit Bewegung, Kommunikation und Präsentation beeinflusst und was durch und in diesem Prozess entdeckt werden kann. Annamaris Erfahrungen mit Butoh Tanz und Trauma basierten Studien kennzeichnen ihre künstlerische Forschung und ihren Ansatz im Theater und Tanz.

RYAN MASON wurde in Südkalifornien geboren und graduierte von der CalArts mit einem BFA in Tanz und Choreographie. Er tanzte für die Jose Limon Dance Company und für Johannes Wieland in Deutschland. Ryans choreographische Arbeiten wurden in Europa und Nordamerika präsentiert, wo er auch professionelle Tanzkurse und Workshops gibt. Ryan interessiert sich für das geheimnisvolle des Theaters und wie es die Seele berührt. Seine Arbeiten schaffen Raum, um Dinge auseinander zu nehmen und sie aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten, als auch um deren sensorische Möglichkeiten auszuloten. Er fokussiert sich auf das Konzept der Zeit – zu verlangsamen, zu beschleunigen und abzubiegen als eine Form, die Realität durch einen anderen Filter zu betrachten.

THAR BE DRAGONS ist eine Plattform für Forschung in den Bereichen Tanz und Theater, und für Unterricht und Performance, welche von Annamari Keskinen und Ryan Mason kreiert wurde. Durch diese Zusammenarbeit vereinen beide Choreografen ihre professionelle Erfahrung und individuelle künstlerische Vision. Sie fühlen sich zu dem Mysterium des Theaters hingezogen und zu der Frage wo es die Seele hinbringen kann. Ihre Arbeit erkundet, oft auf humorvolle Art und Weise, Themen rund um Tod und Absurdität. Sie haben aufgrund von Aufträgen von Theatern und Institutionen in ganz Europa und Nordamerika etliche Werke geschaffen.

Geboren im wilden Osten. Glaubt dass die Realität letztendlich zeitlos ist und mit der Logik des Universums arbeitet. Wird oft als Tänzerin, Performerin und Pädagogin bezeichnet. Schlug ihre Wurzeln in der Fighting Monkey Praxis, studierte Kulturanthropologie und hat zwei Abschlüsse von SEAD, nämlich in Choreografie und Performance. In den vergangenen 13 Jahren folgte sie dem Fighting Monkey Pfad, welcher zu einer Achse ihrer Pädagogik wurde. Als Pädagogin motiviert sie der Bewegungsdrang – als Konsequenz des Lebendigseins – und ihr unaufhörlicher Wille ihr Wissen zu teilen und weiterzugeben. Ihr Unterricht baut vollkommen auf der FM Praxis auf und erreicht Tänzer/innen, Schauspieler/innen, Zirkuskünstler/innen, Sportler/innen und alle anderen Bewegungsfreudigen. Zurzeit ist sie beschäftigt mit: Fighting Monkey, dem Studium der TCM, Stille, dem Erwecken der Archetypen mit CHVE (Zusammenarbeit This Kind Of Bird...) und zu guter Letzt – mit ihrer Suche nach einer achtsamen Formlosigkeit unter Aufsicht von Lisbeth Gruwez.

Victor Rottier wurde 1988 geboren und studierte Tanz am ArtEZ Hogeschool voor de kunsten in Arnheim, Niederlande. Nach seinem Abschluss wurde Rottier Performer beim Club Guy & Roni’s ‘Poetic disasters club’ in Groningen, Holland. 2013 nahm er am Think Big Projekt in Hannover, Deutschland teil. Anschließend wurde er 2014 Vollzeitmitglied am Staatstheater Kassel unter der Leitung von Johannes Wieland und ist seit 2017 probenleiter. er erhielt hier auch die Gelegenheit mit zahlreichen Künstlern und Choreographen wie Guy Weizman & Roni Haver, Shumpei Nemoto, Maura Morales, Sita Ostheimer, Maxine Doyle, Helder Seabra, Tom Weinberger u.a. zu arbeiten. Victor ist seit 2004 Tanzlehrer und Choreograph und gibt Unterricht für verschiedene Schulen und Kompanien in Deutschland, der Schweiz und Holland.

Maëva wurde in Paris geboren, absolvierte 2003 das Bachelorstudium für zeitgenössischen Tanz am National Superior Conservatoire (CNSM) in Paris. Während ihrer Karriere hat sie international als Performerin mit Künstler(inne)n und Kompanien wie Emanuel Gat, Ohad Naharin, Wayne McGregor und Clod Ensemble Touring zusammengearbeitet, aber auch nebenbei ihre persönliche Arbeit weiterentwickelt. Sie war außerdem sechs Jahre lang ein Vollzeitmitglied der Hofesh Shechter Kompanie, hat als Originaldarstellerin in zahlreichen Stücken kreativ mitgewirkt und als Pädagogin weltweit für renommierte Kompanien und an Institutionen unterrichtet. Maeva arbeitet zurzeit als Performerin, Choreografin und Probenleiterin und entwickelt ihre eigene Praxis und Bewegungsforschung welche sich über die Bereiche Tanz, Fotografie / Video und bildende Kunst erstreckt. Derzeit ist sie in Süd-London ansässig.

nach ihrem engagement als tänzerin und schauspielerin für das theater der klänge, setzt thusnelda mercy ihr tanzstudium an der folkwang universität der künste in essen fort. nachdem sie dort mit choreografen wie joachim schlömer, juan kruz dias de garaio esnaola and malou airaudo gearbeitet hatte, begann sie ihre zusammenarbeit mit der deutschen choreografin sasha waltz und ist seitdem immer wieder als gasttänzerin in ihren kreationen zu sehen. figure humaine, kreatur und exodos sind die letzten stücke, die sie mit der kompagnie sasha waltz & guests erarbeitet hat. von 2003-2015 war sie festes mitglied des tanztheaters wuppertal pina bausch und arbeitet auch heute noch dort als gasttänzerin und assistentin. auch in wim wenders film pina hat sie einen auftritt. seit 2009 arbeitet sie als selbstständige choreografin und als tänzerin und assistentin für verschiedene künstler und unterrichtet auf internationalen festivals. sie ist die kodirektorin der Kompanie Merighi i mercy zusammen mit dem choreografen und tänzer pascal merighi und tanzt in den produktionen samuel und songs of childhood und in einem duett mit dem tänzer dominique mercy. sie setzt ihre karriere als choreografin mit ihrer neuesten kreation partita für das ballet. de l'opéra national du rhin fort.

Nach seinem Studium mit Rosella Hightower in Cannes und seiner 5-jährigen Arbeit mit Jochen Ulrichs Tanzforum Köln, tanzte Pascal beim Tanztheater Wuppertal Pina Bausch zwischen 1999 und 2008, sowie im Jahr 2017 als eingeladener Gasttänzer. Parallel zu seiner Tanzkarriere arbeitet Pascal als Schauspieler, Choreograf und Regisseur in europäischen und US-Amerikanischen Produktionen. 2018 gründete er gemeinsam mit Thusnelda Mercy die Kompanie merighi | mercy. Pascals jüngste Produktionen sind Songs of Childhood, ein Duett für Thusnelda Mercy und Dominique Mercy das von Sadler's Wells' Elixir Festival beauftragt wurde; und WAK.NTR Rehab. A matrix of the six soli das er für Pina Bauschs Stücke zwischen 2000 und 2005 choreografiert hat und von der Pina Bausch Stiftung und 1+1=1 beauftragt wurde und in Zusammenarbeit mit Florence Minder und der Klangkünstlerin Mikel R. Nieto produziert wurde. Pascal unterrichtet Laien und professionelle Tänzer/innen auf der ganzen Welt, und wurde vor kurzem von Mademoiselle Elisabeth Platel eingeladen um das Profitraining an der Paris Opera dance school zu leiten.

Christina Mertzani, Choreografin, Tänzerin und Pädagogin – schloss 2004 die Athens State School of Dance ab und ist Inhaberin eines Diploms für Homöopathie von der Akademie für antike griechische und traditionelle chinesische Medizin. In den vergangenen 16 Jahren hat sie sehr umfangreich in Europa und Asien unterrichtet, und zwar in Form von professionellen Trainings, Workshops und Intensivkursen für Tänzer/innen in Kompanien, an Theatern, Universitäten und in professionellen Tanzstudios. Als Tänzerin hat Christina unter anderem mit Johannes Wieland (Deutschland), Stella Zannou (Griechenland), Peter Vosperton (Neuseeland), Kostandin Mixos (Griechenland), Helder Seabra (Belgien), Kat Valastur (Deutschland), Spostolia Papadamaki (Griechenland) zusammengearbeitet und außerdem Werke von Wim Vandekeybus, Mark Morris und Martha Graham auf der Bühne dargestellt. Christina arbeitet international als Choreografin, Tänzerin und Pädagogin. Sie choreografierte in Europa und Asien für unterschiedliche Kompanien, Theater, Universitäten und Festivals. Sie zeigte ihre Werke metamorfosis, inside, mix-up, cube, alternative bodies, stheno, run away, Minotaur, beyond illusion und die Tanzfilme entanglement, reborn temptation und 60 impulses in mehr als 30 Ländern weltweit. Zwei Jahre lang war sie Dozentin an der Anton-Bruckner Universität in Linz, Österreich. Zwischen 2010 und 2019 leitete sie gemeinsam mit Evangelos Poulinas das internationale Festival für zeitgenössischen Tanz one small step in Korfu, Griechenland.

jos startete sein tanztraining im alter von 7 bei oxford youth dance und begann anschließend eine ausbildung am laban center in london und bei parts [performing arts research and training studios] in brüssel. durch diese ausbildung hat er viele techniken und ansätze kennengelernt, darunter: ballet, entspannungstechniken, cunningham, graham, schauspiel, capoeira, popping, salsa, tango, kontaktimprovisation, flying low, passing through, forsythe improvisationstechniken, labanetics, physiology und physics. von 2008 bis 2014 arbeitete jos bei peeping tom als tänzer, schauspieler und mitarbeiter hauptsächlich für die produktionen: 32 rue vandenbranden [2009] und a louer [2011]. nachdem er kurz für dv8 physical theatre bei dem stück john [2014] mitgewirkt hat, übernahm er die leitung und performance bei den vorbereitungen für petit bateau's cedric charlier collection. andere bühnenarbeiten sind in the process of…[2009] von zoi dimitriou und plastic junkies [2014] von antonin comestaz. Jos hat außerdem als Tänzer und choreografischer Assistent von Damien Jalet in Paul Thomas Anderson und Thom Yorkes Kurzfilm Anima mitgewirkt. einige seiner eigenen arbeiten sind: afla [2008], creature man don't tell me [2008], feedback [2009], what do you do? [2015], we were youth [2016], tidal breath [2016], let us not ask where it leads [2016], understanding sugar [2017] und of no fixed abode [2017]. jos gibt auch weltweit unterricht im rahmen von kursen und workshops für professionelle tänzer und an institutionen.

Erik Elizondo stammt ursprünglich aus Monterrey, Mexiko. Er schloss die Tanzakademie SEAD mit einem Fokus auf zeitgenössischer Tanzperformance ab. Er begann seine Tanzkarriere mit der Kompanie Teoría de Gravedad und setzte sie durch die Zusammenarbeit mit Aladino R. Blanca fort. Sein professioneller Hintergrund beinhaltet Kollaborationen mit Gavin Webber & Grayson Millwood, Cinthya Dueñas, Elías Cohen, Francisco Córdova, Raúl Martinez, João Cidade, Marion Sparber, Barnaby Booth und Milla Koistinen. 2013 erhielt Erik einen finanziellen Zuschuss des Staates mit dem Titel Young Creator, welcher dem Ansporn und der Kreation von künstlerischer Entwicklung diente. Ende 2017 mitbegründete er Los Little Guys, ein Projekt in Zusammenarbeit mit Dimitri Kalaitzidis.

Dimitri Kalaitzidis wurde in Massachusetts, USA geboren. Er schloss die Universität Tisch School of the Arts in New York mit einem Bachelor der bildenden Künste im Hauptfach zeitgenössische Tanzperformance ab. Er trat folglich dem Bodhi Project der Tanzakademie SEAD (Salzburg Experimental Academy of Dance) bei und arbeitete dort mit Emanuel Gat, Sita Ostheimer, Mala Kline, Iratxe Ansa und Igor Bacovich, sowie mit Rosalba Torres. Weiters mitbegründete Dimitri Los Little Guys mit Erik Elizondo und präsentierte die gemeinsamen Werke in Nordamerika, Europa und Asien, während er auch seine pädagogische Herangehensweise seit 2017 mit Erik Elizondo durchgehend weiterentwickelt.

Los Little Guys ist ein in Mexiko und in den Vereinigten Staaten ansässiges Projekt das Erik Elizondo und Dimitri Kalaitzidis Ende 2017 starteten. Seit dessen Gründung haben sie etliche künstlerische Residenzen durchlaufen, Stücke kreiert und ihre eigenen und auch kollaborative Werke auf vielzähligen Bühnen vorgestellt, sowie Workshops und Tanzstunden in ganz Nordamerika, Europa und Asien unterrichtet. Sie verwenden hauptsächlich Improvisationen um Bewegungsmaterial zu kreieren. Auch die Motivation die ihrer Arbeit zugrunde liegt bezieht sich auf das kontinuierliche Finden von Wegen um den Körper neu zu schulen, und zwar durch die Interaktion zwischen der Vorstellungskraft und dem materiellen Raum. Der Name Los Little Guys bezieht sich auf den Wunsch den gängigen Konstruktionen des zeitgenössischen Tanzes, durch welchen oft große und starke Körper idealisiert werden, nicht zu entsprechen und Verspieltheit als stetigen Teil ihrer Praxis zu feiern.

Kristina Alleyne ist Ko-direktorin von Alleyne Dance (AD). Die Ästhetik von AD spiegelt den vielfältigen Hintergrund der Alleyne Schwestern im Athletik- und Tanztraining wieder. AD vermischt Afrokaribischen Tanz mit Hip Hop, Kathak, Lateinamerikanischem Tanz und Fähigkeiten aus dem Zirkus innerhalb von dem Kontext des zeitgenössischen Tanzes. Während der vergangenen fünf Jahre haben Kristina und Sadé Alleyne die Kompanie aufgebaut und weiterentwickelt. Sie streben eine hohe Qualität und Spitzenleistung in ihren Performance- und Unterrichtstätigkeiten an. Kristina hat mit Choreografen und Kompanies wie Akram Khan Company, Ultima Vez Company/ Wim Vandekeybus, Arthur Pita, Retina Dance Company, Henri Oguike gearbeitet. Die Unterrichtsmethode von AD wurde im Rahmen von Festivals und Institutionen weltweit gelehrt und wurde mit der Zielsetzung entwickelt, die individuelle kreative Denkweise, Leidenschaft, Zielstrebigkeit und Stärke zu fördern. Ihre größte Produktion A Night's Game tourte seit 2016 in über 10 Ländern und 2019/20 sind noch weitere Vorstellungen geplant u.a. in Australien, Österreich, Deutschland und als Teil der Initiative Rural Dance Touring im Vereinigten Königreich. AD bekam nun über 10 Aufträge für die Produktion von neuen Werken, und so werden sie z.B. für The Bench eine Performance im Freien mit der 2faced Dance Company kreieren und diese wird ab 2020 auf Tour gehen, und für The Blue Print Research Fund und Without Walls werden sie 2020/21 ein neues Stück choreografieren.

Wir sind eine experimentelle Tanzkompanie die im Jahr 2013 aus der Berliner Underground-Szene entstanden ist. Die Gründungsmitglieder sind Carlos Aller, Marco di Nardo, Diego de la Rosa und Juan Tirado. Unser körperlicher Ausdruck beruht auf einer tiefen Auseinandersetzung mit mehreren Disziplinen, unter anderem Bboying, Hip-Hop, Improvisation, Akrobatik und zeitgenössischer Tanz. Unser Stil ist eine Fest des menschlichen Geistes. Wir dienen dieser Aufgabe durch das Verkörpern der tieferliegenden Vorgänge unseres Innenlebens auf der Bühne. Die charakteristische Bewegungssprache der Kompanie baut auf unserer tiefgründigen Auseinandersetzung mit Musikalität auf und ist von schnellen Wendungen, Freezes, explosiven Bewegungen und sehr körperlichem Partnering geprägt. Dies ermöglicht uns die tief in uns schlummernden Gefühle der Angst, Freude, Melancholie, des Schmerzes und der Lust hervorzubringen und auszudrücken.

Winston Reynolds ist Absolvent der Circomedia mit den Spezialisierungen in Akrobatik und Physical Theatre (FDA, 2010-2012), und machte seinen Bachelor-Abschluss an der ACAPA (Academy of Circus and Performance Art, Niederlande, 2012-2016). Innerhalb seiner künstlerischen Forschungsarbeit spezialisierte er sich in akrobatischem Tanz, eine Kombination aus Elementen von: Gymnastik, Capoeira, Breakdance und Kampfkunst und seiner jahrelangen Auseinandersetzung mit Acrobatic Contact Partnering. In seiner Ausbildung wurde er von Alexander Vantournhout begleitet der ihm half seine individuelle Bewegungspraxis zu verfeinern und weiterzuentwickeln. Zurzeit ist er in der neuen Produktion von Alexander Vantournhout Red Haired Men die sowohl 2019 als auch 2020 ganzjährig tourt. 2017 gründete Winston mit seinem Langzeit-Kollaborator Axel Guérin die Kompanie Yeknom, durch welche sie Performances kreieren und ihre fortlaufende Auseinandersetzung mit Bewegungspädagogik und Performance vermitteln. Die Kompanie leitet zurzeit Tanz- und Research Workshops in ganz Europa.

Marion Sparber stammt ursprünglich aus Italien und erhielt ihre Tanzausbildung an den Instituten Varium und Iwanson. In ihrem Unterricht legt sie Wert auf das Finden eines gemeinsamen Körper und Geistes in der Gruppe um die Energie aller Teilnehmer/innen im Raum zu erhöhen und der individuellen kreativen Kraft einen Anschub zu geben. Sie war an etlichen Institutionen und Festivals in Europa, Amerika und Lateinamerika als Gastdozentin tätig. Als Tänzerin hat Marion mit ChoreografInnen und Kompanien wie Francisco Córdova/Physical Momentum, Stella Zannou, Sonia Rodriguez, ADN-Dialect, Eldon Pulak und der Weedance Company, gearbeitet. Ihre choreografischen Werke sind körperlich anspruchsvoll und theatralisch, wobei sie auch die Stimme miteinbezieht, mit Videoprojektionen und Livemusik arbeitet, und mit der vollen Bandbreite von Drama bis Komik spielt. Sie strebt danach andere zu inspirieren und genießt das Element der Überraschung in ihrer Arbeit. Seit vier Jahren erhält Marion eine Förderung von Italien und tourt international zu verschiedenen Festivals und Veranstaltungsorten. Zusammen mit Alan Fuentes Guerra hat sie die Plattform “Shared Levitation” gegründet, welche sich auf Partnering fokussiert. Beide genießen es in ihrem Unterricht Bewegungsfreudige mit unterschiedlichen Hintergründen zu begrüßen und freuen sich über einen Austausch mit anderen Stilen des zeitgenössischen Tanzes, sowie mit Zirkusdisziplinen, Kampfkunst, Kontaktimprovisation, Folkstanz, Paartanz, Acro-Yoga und Acro-Partnering.

Alan Fuentes Guerra studierte zuerst Tanz an der EPDM in Mexiko und absolvierte dann den postgradualen Lehrgang an der Tanzakademie SEAD (Salzburg Experimental Academy of Dance) in Österreich. Alan begründet sein tiefes Interesse an Tanz mit seiner Faszination an dessen Potential zu kommunizieren, Menschen zusammen zu bringen und Gemeinschaften entstehen zu lassen. Deshalb beabsichtigt er durch seine Arbeit mit anderen Disziplinen wie Musik, Theater und Kampfkunst in Verbindung zu kommen. Er legt großen Wert darauf Teilnehmer/innen eine Persönlichkeitsentwicklung durch Kunst zu ermöglichen indem er sie ermutigt die eigenen Erfahrungen in die Arbeit mit einfließen zu lassen, sowie sich bei der Erkundung neuer Bewegungen durch das Miteinbeziehen aller Sinne, durch unsere Sensitivität, Kreativität und Persönlichkeit, inspirieren zu lassen. Über mehrere Jahre hinweg hat Alan seine persönliche Unterrichtsmethode espaciocontinuo und zusammen mit Marion Sparber den Shared Levitation Workshop entwickelt und an internationalen Ausbildungsstätten, Tanzschulen und Festivals unterrichtet u.a. In Deutschland, Russland, Polen, Holland, Österreich, Spanien, Italien, Portugal, Mexiko, den USA, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Israel und Indien.

Im Jahr 2006 entschied sich Felix Landerer als freischaffender Choreograph zu arbeiten und gründete in Hannover seine Kompagnie LANDERER&COMPANY. In 2010 gewann er den ersten Preis beim Internationalen Choreographen Wettbewerb in Hannover und den Produktionspreis des Scapino. Am Scapino Ballett erhielt er 2011 als Choreograph eine Residenz und entwickelte in den nachfolgenden Jahren Stücke und Arbeiten nicht nur für Scapino und LANDERER&COMPANY, sondern auch für Kompagnien in Europa und den USA, darunter dem Nationaltheater Mannheim, der Gothenburg Opera Dance Company, dem Konzerttheater Bern, dem Northwest Dance Project Oregon, dem Theater St Gallen, Norrdans, dem Theater Münster und demnächst für das NDT. Im Jahr 2013 wurde seine Produktion blind spot für das Scapino Ballett bei den SWAN Awards in der Kategorie Beste Tanzproduktion nominiert und LANDERER&COMPANY erhielt in 2017 den PRO VISIO Preis für herausragende künstlerische Leistungen beim Stück Revolte! Außerdem ging der STADTKULTURPREIS Hannover an LANDERER&COMPANY für ihr hervorragendes gesellschaftliches Engagement in Kunst und Kultur. Felix arbeitet weiterhin für seine eigene Kompagnie als auch andere und leitet inklusive Programme und Angebote für Hannovers Bürger mit dem Ziel, seine Leidenschaft für Bewegung und non-verbale Kommunikation zu teilen. Seine Angebote sind offen für jeden und ohne Zugangshürden.

Luke stammt ursprünglich aus Cork City und ist ein Performer und Choreograf, der zwischen Cork, New York und Brüssel lebt. Luke tanzt seit 2014 mit Ultima Vez, tourt international in Produktionen wie In Spite of Wishing and Wanting, Booty Looting und Spiritual Unity, und mit Punchdrunk seit 2009, mit Hauptrollen in den Originalbesetzungen von Sleep No More in Shanghai ('16-'17), New York City ('11-'15) und in Produktionen von The Drowned Man in London und Sleep No More in Boston. Darüber hinaus tanzte er in den Kompanien von Luca Silvestrini, Martha Clarke, Kate Weare, Pavel Zustiak und in Projekten mit Ben Duke, Alexandra Waiierstall, John Kelly, John Scott, Jonah Bokaer und Bill T. Jones/ Arnie Zane Dance Company. Lukes eigene Arbeit wurde von verschiedenen Aufträgen, Auszeichnungen und Residencies international unterstützt, darunter Arts Council of Ireland, Cork City Council, CultureIreland, New England Foundation for the Arts National Dance Project, Kaatsbaan International Dance Centre, Pavilion Theatre, Tyrone Guthrie Centre, Irish Arts Centre, Foundation for Contemporary Arts, DanceLimerick, DanceBase Edinburgh, Tribeca Performing Arts Centre, Tanz Tendendz München, b12 Berlin und andere. Er schuf und führte neun Abendwerke in Irland, Großbritannien, den USA und Deutschland auf (Drenched 2012, Icarus 2013, Your Own Man/Mad Notions 2015, On Triumph and Trauma 2016, The Dust We Raised 2017 Ex Caelo 2018 The Milkyboy Kid 2018, Carnivore 2019, Villains 2019). Luke gründete Attic Projects im Jahre 2014 als Dachverband für seine verschiedenen unabhängigen Projekte in Tanz, Film und Theater. Luke ist Produzent und Programmdirektor der Catch8 Workshop Series in Cork City und arbeitet derzeit an der Eröffnung eines neuen Tanzresidenzzentrums in County Cork. Luke studierte an der Point Park University, wo er 2009 seinen BFA in Tanz und Englisch und 2017 an der University of Chichester erwarb.

Jone San Martin Astigarraga wurde in Donostia/San Sebastian im Baskenland geboren und wohnt seit 2015 in Berlin. Sie ist Tänzerin, Performerin, Choreografin und lehrt die mit William Forsythe entwickelten Improvisation Technik. Ihre Ausbildung begann sie mit Mentxu Medel in San Sebastian, und führte sie am Institut del Teatre in Barcelona und an der Mudra International, der Schule von Maurice Béjart in Brüssel fort. Nachdem sie in Spanien und Belgien freischaffend gearbeitet hatte, begann sie 1992 bei dem Ballett Frankfurt unter der Direktion von William Forsythe zu arbeiten, bis sie im Jahr 2004 der Forsythe Company beitrat und bis 2015 ein Teil davon blieb. Sie war bei der ersten Edition von Dance On Ensemble in Berlin dabei und wird auch ein Teil der zweiten Edition sein. Sie hat selbst einige Werke choreografiert, und mit der Solo/Konferenz über Forsythe´s choreografische Notation Legítimo/Rezo tourt sie auf der ganzen Welt. Während all dieser Jahre hat sie mit folgenden Künstler/innen gearbeitet und kollaboriert: William Forsythe, Nacho Duato, Jacopo Godani, Saburo Teshigawara, Fabrice Mazliah, Agnès Chekroun, Carlotta Sagna, Jan Lawers, Jan Fabre, Josh Johnson, Tim Etchells, Matteo Fargion, Rabih Mroué, Deborah Hay, Jan Marteens, Ersan Mondtag, Johannes Wieland, Mikel R Nieto, Emanuele Soavi und Susanne Kennedy. Donostia 2016 gab ihr eine Carte Blanche der szenischen Künste.

Alexandros Anastasiadis (1987) hat einen B.Sc in Physik (von der Aristotle Universität in Thessaloniki und der Technischen Universität Berlin) und Absolvent der Salzburg Experimental Academy of Dance. Er choreografierte und performte etliche Tanz- und Straßentheater-Performances mit dem Dance And The Mind Kollektiv in Thessaloniki und in Berlin. Er ist Gründungsmitglied des La Otra Familia Kollektiv womit er im Jahr 2016 den Publikumspreis beim Certamen Coreografico de Madrid gewann. Mit dem Kollektiv performte er unter anderem bei Festivals wie Deltebre Dansa und Dance Days Chania. 2017 begann er mit Ultima Vez / Wim Wandekeybus zusammen zu arbeiten und performte in den Produktionen In spite of wishing and wanting, Trap Town und Traces. Seit 2011 unterrichtet er Workshops mit seiner Methode Organic Acrobatics (Chania Dance Days Festival, Dock 11, etc.). In seinem Unterricht verbindet er akrobatische Elemente, Tanz und andere Disziplinen die er gelernt hat, und vor allem aber teilt er seine Leidenschaft für die Bewegung.

Patricia Hastewell wurde 1991 in Barcelona geboren und verband Tanz mit ihren anderen Interessen bis sie im Jahr 2013 den BA in Rechtswissenschaften an der Universität in Barcelona und ihr Tanzstudium an der AREA Barcelona abschloss. Sie absolvierte die Salzburg Experimental Academy of Dance, wo ihr Interesse am Choreografieren geweckt wurde. Ihre Stücke Bardo Vals (2017) und All these places have their moments (2016) wurden quer durch Europa gezeigt und erhielten den Publikumspreis des Certamen Coreográfico de Madrid im Jahr 2016. Patricia begann im Jahr 2018 für die Jasmin Vardimon Company zu arbeiten und war Teil der Entwicklung und der anschließenden Tour des Stückes Medusa das fortlaufend gezeigt wird. 2019 begann sie mit Guy Nader und Maria Campos zu arbeiten in Set of sets, und sie führt die Zusammenarbeit mit dem Kollektiv La Otra Familia fort, das sie mitbegründet hat.

In seiner Kompanie RUBBERBAND führt Victor Quijada seine zwei inneren Pole zusammen: Die Spontanität, das Risiko und die Furchtlosigkeit der Hip Hop Kultur der Amerikanischen Westküste, in der er aufwuchs, und die choreografische Verfeinerung des zeitgenössischen Tanzes, das Milieu in dem er sich zum professionellen Tänzer entwickelte. Der revolutionäre Charakter seiner Ästhetik kommt in den nahezu 30 Werken zur Geltung, die er während seiner 17-jährigen künstlerischen Forschungsarbeiten entwickelte. Getränkt in der innewohnenden Unabhängigkeit der Straße und einem Scharfsinn für die Bühne, erkunden seine Choreografien menschliche Beziehungen, mit einem besonderen Fokus auf der Leidenschaft der Besessenheit, der Brutalität von Gewalt, und der Feinheit die sowohl der Tragödie als auch der Komödie innewohnt. Aufgrund seiner Liebe für Streetdance strebt Victor Quijada danach so oft wie möglich die Spontanität von Hip Hop Circles in den Bühnenaufführungen zu integrieren und die Grenze zwischen den Performer(inne)n und dem Publikum zu brechen. Neben seiner Performance- und Filmarbeit hat Victor auch ein Trainingsprogramm entwickelt, die RUBBERBAND-Methode, welche professionelle Tänzer/innen auf die choreografischen Anforderungen der Kompanie vorbereitet. Dieses Programm weiht Tänzer/innen in die Hybridität der Bewegungen ein die sowohl von urbanem als auch von zeitgenössischem Tanz beeinflusst sind, während Elemente wie die Interpretation, individuelle Entscheidungen, rhythmische Variationen und Partnering betont werden. Während die Kompanie tourt werden regelmäßige Workshops und Vorträge angeboten.

Orlando studierte Englisch und Französisch an der Oxford Universität, bevor er das Conservatoire National Superieur D'Art Dramatique in Paris und danach die Ecole Philippe Gaulier besuchte. Während seiner Schauspielkarriere fährt Orlando damit fort sich weiterzubilden und seine eigene Lehrpraxis auszubauen. Zu seinen Weiterbildungen zählen unter anderem: Creative dreamwork (von Sandra Seacat und Kim Gillingham in Los Angeles), Meisner, Actors Studio work, Improvisation, Maske & Commedia. Orlandos vielfältige Karriere hat ihn von der Royal Shakespeare Company über das West End zu Rollen in Filmen und Fernsehsendungen gebracht. Er war unter anderem in folgenden Werken vertreten: Der Tod auf dem Nil, Hamlet, Stolz und Vorurteil, Sleepy Hollow, Monday, Bobby, In guten Händen, Jack und das Kuckucksuhrherz, Reign, HBOs Doll & Em, BBCs Motherland, The IT Crowd, Count Arthur Strong, The West Wing und viele weitere. Orlando ist auch Musiker und Songwriter.

Luca wurde 1988 in Verona (Italien) geboren. Er ist ein vielfältiger Performer mit einem Hintergrund in Hip Hop, House und Jazz Rock. Er hat einen Abschluss in Sozial- und Arbeitspsychologie von der Universität in Padua. Er bildete sich als Performer aus indem er, beginnend in 2002, mehrere Jahre lang in Europa und New York zeitgenössische Tanz-Workshops besuchte und Schauspieltechniken erlernte. Er hat in mehreren Kompanien in Italien (Iuvenis Danza, Zed (K) Kontemporaryline, Hdemy Cru, Tha Leaf, Oxygen), Slovenien (M&N Tanzkompanie) und Deutschland (am Staatstheater Kassel unter der Leitung von Johannes Wieland) gearbeitet. Seit August 2019 arbeitet er für Punchdrunk in der Produktion Sleep No More in Shanghai. Er entwickelt außerdem auch seine eigene choreografische Arbeit.

Thomas Hauert, ursprünglich aus der Schweiz, hat als Tänzer unter anderem mit Anne Teresa De Keersmaeker, David Zambrano und Pierre Droulers gearbeitet und gründete die Kompanie ZOO im Jahr 1998 in Brüssel. Seiner ersten Arbeit Cows in Space wurde sofort an der Rencontres de Seine-Saint-Denis/Bagnolet ein Preis verliehen. Seitdem hat die Kompanie mehr als 20 Werke kreiert die auf der ganzen Welt gezeigt wurden. Neben seiner Arbeit für ZOO bekam Thomas Hauert außerdem Aufträge um für Kompanien wie das Züricher Ballett, das Toronto Dance Theatre, Candoco Dance Company und das Ballet de Lorraine zu choreografieren. Ergänzend zu seiner choreografischen Arbeit hat Thomas Hauert außerdem eine international anerkannte Lehrmethode entwickelt welche von der Bewegungserforschung seiner Kompanie ausgeht. Er arbeitet fortlaufend mit P.A.R.T.S. in Brüssel zusammen und unterrichtet regelmäßig weltweit. 2012/2013 war er Gastdozent für Tanz und Performance am Institut für Theaterwissenschaften der Freien Universität Berlin. Im Jahr 2012 wurde Thomas Hauert eingeladen am Projekt Motion Bank teilzunehmen, welches von der Forsythe Company initiiert wurde um die Erforschung choreografischer Praxen und Denkweisen zu fördern. 2013 wurde er zum künstlerischen Leiter des neuen Bachelorstudiums für zeitgenössischen Tanz an der Manufacture, Universität der darstellenden Künste in Lausanne in der Schweiz ernannt.

Guy Nader graduierte am Institut National des Beaux Arts an der Libanesischen Universität in Beirut mit einem BA in Drama. Er erhielt das danceWEB Europe Stipendium in 2012 und den ersten Preis für sein Solo Where The Things Hide beim Masdanza International Festival in 2010. Er ist assoziierter Künstler am La Caldera in Barcelona.

Sarah begann mit 17 in Frankreich Streetdance zu lernen. Nachdem sie ihren Universitätsabschluss als Computer Ingeneurin und ihre Tanzausbildung am Choreographic Center James Carles beendet hatte, zog sie nach Paris und begann sich bei den Tänzerinnen Corinne Lanselle und Carolyn Carlson weiterzubilden. Seitdem hat sie in Frankreich gearbeitet und international getourt, unter anderem mit Abou Lagraa Company, David Drouard Company, Maryse Delente Company und Vincent Matsoé. Im Jahr 2014 zog sie nach London und begann mit Liz Roche Company in Dublin zu arbeiten, mit welcher sie weiterhin zusammenarbeitet. Im November 2014 trat sie der Akram Khan Company bei und tourte die Produktion Kaash bis 2016. Sie unterrichtet Akram Khans Repertoire und vor kurzem reinszenierte sie Liz Roche Companys Produktion Bastart Amber mit dem Abschlussjahr des Lasalle College Singapore. Sie zog zurück nach Frankreich und begann mit Amala Dianor Company zu arbeiten, während sie auch weiterhin mit der Liz Roche Company in Irland arbeitet. Kürzlich begann sie ihre eigene kreative Arbeit zu entwickeln. Im Jahr 2020 wird Sarah wieder Akram Khans Kaash performen und zwar im South Bank Center in London.

In Rio De Janeiro geboren, zog Vittoria 2002 nach Brüssel und performt seither für zahlreiche Choreografen wie: Jan Fabre (Prometheus-landscape2), Sidi Larbi Cherkaoui (Puzzle), Damien Jalet (Les Medusee), Quan Bui Ngnoc (Untold) Les Ballets c.de la B., Akram Khan (Olympische Spiele 2012, London) und Romeo Castellucci (Uso umano di esseri umani). Seit 2013 verfolgt sie auch eigene Projekte. Sie war Residenzkünstlerin am Swatch Art Peace Hotel in Shanghai, wo sie das Solo Reborn für die Little Victories Gallery entwickelte und das Tanzvideo Closer, welches im Rahmen der Venedig Biennale 2015 gezeigt wurde. 2014 erarbeitete sie ein weiteres Solo 088 mit welchem sie derzeit tourt. Seit 2016 wird sie von der Kompagnie DEJADONNE koproduziert im Rahmen neuer Produktionen wie In Pasto al Pubblico und die neue Show 365. Sie war choreografische Assistentin beim Stück Babel 7.16 von Sidi Larbi Cherkaoui und Damien Jalet für das festival d’Avignon in 2016. Sie choreographierte und tanzte im Film Beautiful Things des Regisseurs Giorgio Ferrero, der bei der Biennale cinema of Venice im Jahr 2017 gezeigt wurde. Sie gibt regelmäßig Unterricht am SEAD in Salzburg, Artesis Antwerpen, La Raffinerie in Brüssel, HJS in Amsterdam sowie K3 in Hamburg und hält Workshops auf der ganzen Welt.

Lenka Vagnerová arbeitet als Choreografin, Regisseurin und Pädagogin in der internationalen Tanzszene. 2012 gründete sie im Prager Tanztheater die Lenka Vagnerová Company, für die sie eine Reihe international anerkannter Aufführungen ins Leben gerufen hat. Jedes Jahr kreiert die Kompanie neue fortschrittliche Produktionen mit Lenka, die Elemente aus physischem, dramatischem, Figuren- und Tanz-Theater enthalten. Charakteristisch für Lenkas Arbeit sind Motive wie existenzielle Fragen, die Dringlichkeit menschlicher Beziehungen zu anderen Wesen und zur Umgebungen, sowie das Spiel mit Realität und Fantasie. Lenka legt Wert auf die Präzision von Theatersituationen und Bewegungsqualitäten, unterstützt die Individualität der Performer/innen, nutzt die Kraft und Dynamik der Gruppe, und sucht nach physischen Möglichkeiten und Bewegungsgrenzen des eigenen Körpers. Teil von Lenkas Tanz- und Theatersprache sind außerdem Emotionen, körperliches Handeln, Leidenschaft, Risiko, Konflikt, Harmonie und Intuition. Lenkas Werke erhielten viele renommierte internationale Preise und Nominierungen. Lenka unterrichtet regelmäßig und leitet Workshops an Festivals, Theatern, in Tanzschulen oder für Kompanien.

Adrienn Hód wurde 1975 geboren. Sie absolvierte die Budapest Contemporary Dance School, die einzige zeitgenössische Tanzausbildung in Ungarn, die von Iván Angelus gegründet wurde. Sie gründete die OFF Company im Jahr 1995 und Hodworks im Jahr 2007. Adrienn erhielt unterschiedliche Stipendien und hatte die Möglichkeit an etlichen internationalen Residenzprogrammen teilzunehmen, so wie Meeting Points, Trust for Mutual Understanding, Tanzfabrik, Jardin d'Europe, Headlands San Francisco, Philadelphia Dance Exchange. Hodworks wurde drei Mal für die Aerowaves Twenty ausgewählt: 2012 mit Basse danse, 2014 mit Dawn, und 2015 mit Conditions of Being a Mortal Hodworks. Ihre Werke wurden sieben Mal für den Rudolf Laban Preis nominiert wodurch sie ihn drei mal gewonnen hat: mit Basse danse (2011), Dawn (2014), und Grace (2017). 2016 choreografierte sie für die in Ljubljana ansässige Kompanie En-Knap und kreierte das Duett Beliefs für das Staatstheater Mainz. Sie choreografierte außerdem für László Nemes Jeles oskargekrönten Film Sauls Sohn. Sie gewann den Zoltán Imre Preis in Ungarn im Jahr 2016. Im selben Jahr kreierte sie das Werk Solos für Hodworks. Im Jahr 2019 kreierte sie ihre neuen Produktionen Mirage in Budapest, sowie Coexist in Zusammenarbeit mit der Unusual Symptoms Company des Staatstheaters Bremen in Deutschland.

Geboren in Israel, absolvierte die Amal Schule der Künste und Wissenschaften. Nach seinem Abschluss trat er 2005 dem Batsheva Ensemble und 2008 der Batsheva Dance Company unter der künstlerischen Leitung von Ohad Naharin bei. Seit 2012 ist Tom freiberuflich tätig und Gründungsmitglied von Sharon Eyal und Guy Behars Kompanie L-E-V. Er tanzte für das Göteborg Ballett (Schweden) und für die Emanuel Gat Dance Company (Frankreich). Er war Gastkünstler bei Michael Keegan Dolans Fabulous Beast Dance Theatre (2013), der Batsheva Dance Company (2014) und der Forsythe Company (2015). Er ist seit 2006 zertifizierter Gaga-Lehrer und unterrichtet neben Gaga auch das Repertoire von Ohad Naharin und Sharon Eyal an Institutionen und in Schulen wie NDT, dem Konservatorium für Tanz in San Francisco, Arts Umbrella und Springboard Dans Montreal. Im Jahr 2016 war Tom Gastkünstler an der SUNY Purchase University im Rahmen des Residenzprogramms der Charles and Lynn Schusterman Foundation und in Zusammenarbeit mit dem Israel Institute. Neben seiner eigenen choreografischen Arbeit (Springboard Dans Montreal, Ate9, Suny Purchase College, Johannes Wieland Dance Company, etc.) wirkt Tom auch als Bühnenbildner für Sharon Eyal und Gai Behars Werke sowie als freiberuflicher Probenleiter für L-E-V mit. 2019 trat Tom als Interpret für Alan Lucien Oyens Winterguests (Norwegen) auf.

Sam ist ein mehrfach ausgezeichneter Performer, Bewegungsregisseur und Choreograph aus London. Er hat eine Ausbildung an der London Contemporary Dance School mit einem BA Abschluss absolviert (2009) und 2015 seinen MA in Performance & Choreographie gemacht. Als Performer hat Sam mit einigen der besten Tanz- und Theaterkompagnien gearbeitet wie z.B. die Jasmin Vardimon Company und das Clod Ensemble und verbrachte 5 Jahre als Stammmitglied bei der Hofesh Shechter company. Außerdem arbeitet er u.a. mit Antony Gormley & Hofesh Shechter am Projekt survivor (Barbican, 2012) und an der von den Kritikern hoch gelobten Oper Orpheus Et Eurydice (Royal Opera House, 2015 & La Scala, 2018). Darüber hinaus hat er auch in Filmprojekten mitgewirkt als Bewegungsregisseur und Schauspieler. Dazu zählen Arbeiten für die Chemical Brothers, FKA Twigs und Jon Hopkins. Er gewann einen Preis als bester Schauspieler für den Kurzfilm Curing Albrecht, war im Spielfilm The Beasts in the Jungle zu sehen und an Uber's erster Werbekampagne Effortless Night beteiligt. Als Choreograph beendete Sam erst kürzlich Auftragsstücke in Spanien und Kanada und arbeitet derzeit mit dem National Centre for Circus Arts in London.

Professorin an der CSDMA in Madrid. Hat einen Bachelor in Pädagogik des zeitgenössischen Tanzes und einen Master in darstellenden Künsten. Direktorin und Choreografin der Kompanie COLECTIVO in Madrid. War als Choreografin für verschiedene Kompanien in Spanien, Südamerika, Russland und Europa tätig. Dozentin am Circuit-Est centre Chorégraphique, an der HJS, der Tanzakademie Sead, im Marameo, am Staatstheater Kassel, Tanzhaus-Düsseldorf, bei der Cocoon Dance Company, beim Maura Morales Collectiv, bei der Linga Company, am Theater Sankt Gallen, beim VimVigor Sommerprogramm, b12 Festival, bei DAR, Descalzinha, in der Sodre National School, London Contemporary Dance School/The Place, sowie in der Nationalen Tanzkompagnie von Costa Rica. Jurymitglied von SoloDos en Danza, Mudanzas, Burgos-New York, Xalapa-Mexiko 7 Enedac. Choreografische Assistentin von Maura Morales, Carmen Werner, Antonio Ruz, St.Gallen Repeater Theatre, und für die Gastchoreografen Josef Frucek und Linda Kapetanea, sowie Erick Trotier. Arbeitete als Tänzerin in der Linga Company, Cocoon Dance Company, bei Provisional Danza, für Antonio Ruz, Toula Limnaios, am Staatheater Kassel und für Arrieritos. Ihre eigenen Arbeiten wurden in Spanien, Brasilien, Vancouver, Kolumbien, Mexiko, Costa Rica, Griechenland, Uruguay, Chile, Sankt Petersburg, Deutschland, Kuba, Venezuela und Peru aufgeführt.

Ben Wright ist ein in Großbritannien lebender, selbständiger Regisseur und Choreograf der in den Bereichen Tanz, Oper und Theater tätig ist. Seine choreografische Sprache wird als poetisch und der körperliche Ausdruck als sumptuös beschrieben, wobei Menschlichkeit und Erzählkunst im Zentrum seiner Praxis stehen. Er erhielt seine Ausbildung an der Rambert School of Ballet and Contemporary Dance und arbeitete als Performer von 1991 bis 2006. Er ist seit 2018 und noch bis 2020 künstlerischer Kodirektor von der Candoco Dance Company und war stellvertretender künstlerischer Leiter/Choreograf für Skånes Dansteater zwischen 2014-2018. Er leitet seine eigene auf Projektarbeit basierte Kompanie: bgroup. Bens jüngste Produktionen sind The Lost Thing für das Royal Opera House London und Candoco, A space in the Dark für Black Box Dance Theatre und der Film seiner neuen Produktion The Feeling of Going – eine komplett instrumentierte Inszenierung von Sigur Ros Leadsänger Jonsis Album GO für Skånes Dansteater - der bereits von Arthaus Musik als BlueRay veröffentlicht wurde. Als Performer arbeitete Ben für Stan Wont Dance, Adventures in Motion Pictures, Ricochet, London Contemporary Dance Theatre, Richard Alston und für Amanda Miller's Company: Pretty Ugly. 1995 kreierte er die Rolle des Prinzen in Matthew Bournes Version von Schwanensee. Er ist ein Mentor für junge Künstler/innen und unterrichtet auf landesweiten und internationalen Workshops.

lewis erhielt seine ausbildung an der london contemporary dance school und entwickelte dort sein interesse für kontaktimprovisation. er graduierte 2009 und arbeite seither mit choreograph(inn)en und kompagnien wie der tom dale company, trashdollys, jean abreu dance, léa tirabasso, riccardo buscarini, the national theatre for angels in america unter der leitung von marianne elliot sowie dem scottish dance theatre. während er für das scottish dance theatre tanzte, performte er das repertoire von hofesh shechter, liv lorent und fleur darkin sowie neue stücke von victor quijada, jo stromgren, damien jalet und jorge crecis. im jahr 2012 startete lewis seine lehrtätigkeit und spezialisierte sich ab 2014 auf die vermittlung von kontaktimprovisation. er gibt kurse in kontaktimprovisation und bodenarbeit für professionelle kompagnien in großbritannien und darüber hinaus und hat erst kürzlich für dv8 physical theatre gearbeitet. lewis unterrichtet regelmäßig bei den ausbildungsprogrammen am london contemporary, dem london studio centre und an der rambert school. außerdem gab er unterricht auf europäischen festivals wie pyrenees dance, agitart figueres es mou und b12.

shannon gillen kann eine umfassende karriere als tänzerin und choreografin in nyc und europa vorweisen. sie war mitglied des johannes wieland ensembles am staatstheater kassel in deutschland, gewann auszeichnungen am mainfranken theater würzburg, dem internationalen solo-tanz theater festival in stuttgart (3. preis im bereich tanz), arbeitete am tif theater in kassel und wurde als think big choreografin für eine residenz an der staatsoper hannover ausgewählt. shannon gründete die kompanie vim vigor in nyc welche den hauptwohnsitz ihrer kollaborativen, choreografischen arbeiten und ihrer lehrtätigkeit darstellt. Neben den kreationen für die kompanie bekam sie auch aufträge um werke für das L.A. Dance Project, die NY Fashion week (für das modelabel phelan), für DANCEworks im Lobero Theatre, Hubbard Street 2, Gibney Dance und de Danseurs zu choreografieren. Nennenswerte festivals und Veranstaltungsorte in denen ihre produktionen gezeigt wurden sind unter anderem NYLA, Prisma Festival, Judson Church, PULSE Art Fair/Art Basel, Bryant Park, NYC's River to River, The Joyce, and Jacob’s Pillow. 2018-19 war Shannon Choreografin in residence im Lewis Center for the Arts an der Princeton Universität und 2020 werden ihre Werke am ICA in Boston, UNCSA, Rutgers, Gibney Dance, Over het Ij in den Niederlanden uraufgeführt. Sie wird außerdem zu Springboard Danse in Montreal und zum b12 festival in berlin zurückkehren um neue arbeiten zu kreieren. Vim vigor bietet zweimal jährlich (im Winter und Sommer) ein Workshop Programm mit dem Fokus auf physical dance theatre an.

Eine der offensten Theaterchoreografinnen der Britischen New Wave (The Observer). Darkin kreiert preisgekrönte, originelle Werke im Bereich Tanz und Theater. Ihre Präsenz in der internationalen Choreografie-Szene ist bekannt und ihre Arbeit wird weltweit präsentiert: Vor kurzem tourten ihre Werke im Vereinigten Königreich, in Asien, Südamerika und Europa. Darkin erhielt Preise wie Jardin D'Europe, den Jerwood Prize und Junges Hundes. Ihr Werk Velvet Petal gewann im Jahr 2017 den Lustrum Preis für Tanz. Equilux wurde als Auftrag für Danza Contemporánea de Cuba kreiert und tourt auf der ganzen Welt. Das vom Linbury-Trust finanzierte Stück Miann war Teil des Kulturprogramms in Glasgow im Jahr 2014, sowie im Jahr 2016 in Brasiliens Kultur-Olympiade. South Bank Centre/Laban beautragte das Stück SisGo welches auch beim Edinburgh International Festival 2013 gezeigt wurde. 2011 kreierte sie Innocence, ein Werk das mehr als 150 Mal gezeigt wurde und unter anderem nach Südamerika und China tourte. Darkin kreierte Werke an den Institutionen PARTS in Belgien, Prem in Thailand, SESC in Brasilien, Instituto Nacional de Bellas Artes in Mexiko, Adishakti in Indien, Theatre Mono im Libanon, sowie am Laban Konservatorium, im Royal Opera House, The Place und im 02 (UK). Sie choreografierte außerdem in Zusammenarbeit mit folgenden Theatern im Vereinigten Königreich: The National Theatre, The National Theatre of Scotland, Leeds Playhouse, Birmingham Rep, Edinburgh Lyceum, Globe, Royal Court, Bristol Old Vic und für The Abbey Theatre in Dublin. Darkin hatte die Position der künstlerischen Leitung des Scottish Dance Theatre in den Jahren 2012-2018.

Mafalda ist die künstlerische Leiterin von Opuntia Dance, zusammen mit dem bildenden Künstler Israel Pimenta, dem ZERO-Programm und dem CDI Workshop in Porto, Portugal. Mafalda interessiert sich dafür mit bestimmten Gemeinschaften als Ausgangspunkt für Forschung und Entwicklung zusammenzuarbeiten. Bisher hat Mafalda mit jungen Müttern (im Alter zwischen 13 und 18 Jahren) und ihren Babys, älteren Menschen über 60 Jahren, der römischen Gemeinde in London, Opfer von Frauenhandel in Kalkutta, Indien, sowie mit Frauen und Männern im Alter zwischen 20 und 40 Jahren aus einer bestimmten Innenstadt in Portugal zusammengearbeitet. Mafalda kreierte Werke wie Mata-me Em Séries, In Between Bliss, Unconnected in Zusammenarbeit mit Israel Pimenta und José Valente, Departed, MAMA in Zusammenarbeit mit Israel Pimenta, Silence, Stray Dogs in Zusammenarbeit mit Israel Pimenta, Corpos em Vão und Barro für die Companhia Instável, Portugal. Sie hat als Choreografin mit Kompanien und Institutionen wie Tiago Rodrigues - Mundo Perfeito, Companhia Instável und Ao Cabo Teatro-Nuno Cardoso in Portugal; Die Lyric Opera von Chicago, USA; JV2, Shoreditch Dance Company, RAD, Trinity Laban-CAT-Projekt, Royal Opera House und Sadlers Wells Theatre in London und Occupy Theatre in Stralsund in Deutschland zusammengearbeitet. Sie hat über 12 Jahre als Tänzerin, Probenleiterin und Leiterin des Bildungsprojekts für die Jasmin Vardimon Company gearbeitet. Von 2009 bis 2017 war sie Dozentin an der Royal Holloway University im postgradualen Lehrgang für Physical Theater für Tänzer/innen und Schauspieler/innen. Zurzeit unterrichtet sie für COMMA - Master in Choreografie an den Universitäten Fontys und Codarts in den Niederlanden. Sie absolvierte 1998 die London Contemporary Dance School in zeitgenössischem Tanz und Choreografie. Derzeit lebt Mafalda in Porto, Portugal.

LA INTRUSA ist ein zeitgenössisches künstlerisches Projekt unter der Leitung von Virginia García und Damián Muñoz. Ihr 20jähriges Bühnenjubiläum krönten sie mit einem National Dance Award für ihre künstlerische Arbeit im Jahr 2015. Von Beginn an zeichnet sich ihre Arbeit durch eine poetische Handschrift aus, die den Stücken eine starke visuelle als auch emotionale Wirkung verleiht, was ihnen ermöglicht mit dem Publikum eine enge Beziehung aufzunehmen. Der Ausgangspunkt von LA INTRUSA war von je her eine sehr reflektierende Arbeit. Sie teilen ihr Motiv mit dem Publikum und setzen dieses für die Performance in Bewegungsmetaphern, Bilder, Klänge und Wörter um. Sie entwickeln, leiten und produzieren szenische als auch audiovisuelle Projekte, welche mehrfach ausgezeichnet wurden. Sie geben Kurse und Workshops an renommierten nationalen und internationalen ChoreographieZentren und Schulen.

Die in Berlin ansässige Regisseurin, Choreografin, Pädagogin, Improvisationskünstlerin Judith Sánchez Ruiz (CU- GE), war seit 1999 in New York lebend und ist 2011 nach Berlin umgezogen. Sie begann ihre Tanzausbildung mit 11 Jahren an der National School of Arts Ciudad de la Habana, Cuba. Judith arbeitete mit Sasha Waltz & Guest (2011-2014), Deborah Hay (2012), Trisha Brown Dance Comany (2006-2009), DD Dorvillier (2002, 2019), David Zambrano (1997), Mal Pelo Comany (1997-1999) und DanzAbierta Company (1991-1996). 2010 gründete sie die Judith Sánchez Ruiz (JSR) Company in New York City. Sie hat vielzählige choreographische Bühnenwerke und standortspezifische Performances kreiert und etliche auf Improvisation basierte Performance-Projekte mit Livemusik innovativer Komponist/innen sowie mit bildenden Künstler/innen ins Leben gerufen. Judith unterrichtete an folgenden internationalen Institutionen und Festivals: Movement Research (NYC), Guangdong Dance Festival (China), b12 Festival, Festival Deltebre Dansa, Atlas Mexico Festival, Dance Umbrella Festival, Coda Oslo International Dance Festival, Moscow Tsekh Summer School, Marseille Objectif Danse, Sasha Waltz & Dancers, Cie. Toula limnaios, SNDO, MTD, SEAD, Paris Conseratory CNSMD, Ménagerie de Verre, Copenhagen Dance School, Aktina Dance School. Tanzstudios in denen sie unterrichtete sind unter anderem: Metaneira Studios (GR), Micadanses (FR), Tripspace (UK), Critical Path (AUS), Tanzquartier Wien, MedusaMenorca (ESP), Barn College und NYU Tisch Summer Residency in Berlin.

Leila McMillan (UK/USA) ist eine international arbeitende Choreografin, Lehrerin und Performerin. Sie hat mit zahlreichen Künstlern zusammengearbeitet wie David Zambrano, Crystal Pite, Thomas Lehmen, Wendy Houstoun, Jasmina Krizaj & Nina Fajdiga. Leila kuratierte This Way, That Way (2015) am Lilian Baylis, Sadler’s Wells als Teil einer Wild Card. Ihre Abend füllende Arbeit Family Portrait (2015) wurde mehrfach in Großbritannien präsentiert. Sie erhielt 2017 eine Künstlerresidenz an der Hong Kong Academy for Performing Arts und entwickelte dort das Stück 3 fingers at arms Length, welches als herausragende Choreographie bei den Hong Kong Dance Alliance Awards 2018 nominiert wurde. Leilas Arbeiten sind hoch energetisch und zugleich nuanciert und abstrakt in der Choreographie. Basierend auf eigenen Erfahrungen fokussiert sie sich auf Themen wie Identität, Gender und kulturelle Schnittstellen. Seit sie 2010 einen Platz bei David Zambrano’s 50 Days Flying Low and Passing Through erhalten hat ist Leila eine international zertifizierte Künstlerin, die diese Technik unterrichten darf und damit dessen Verbreitung in Großbritannien voran treibt. Sie ist Dozentin an der London Contemporary Dance School und unterrichtet in Europa, im Mittleren Osten, Asien, den USA und Südamerika. Seit 2012 kooperiert sie mit dem angolanischen Künstler Isaac Carlos als Mitbegründer von Muxima, einem unabhängigen Café in Bow, East London. Sie veranstalten Kunstausstellungen sowie Musik- und Performance-Events. Das Café wurde bereits mehrmals als Bestes in East London ausgezeichnet.

Helder Seabra stammt ursprünglich aus Portugal und wurde in Ginasiano/Portugal und an der Tanzinstitution P.A.R.T.S. In Belgien ausgebildet. In den vergangenen 12 Jahren war er Langzeit-Mitglied der renommierten Kompanien Ultima Vez/Wim Vandekeybus und Eastman/Sidi Larbi Cherkaoui, und zwar als Performer, choreografischer Assistent und Lehrer während lokalen und internationalen Aufträgen. Zur selben Zeit hat er zunehmend seine eigene künstlerische Praxis entwickelt und im Jahr 2013 eine eigene Kompanie gegründet um über seine vergangenen Erfahrungen zu reflektieren, sowie das volle Potenzial von Körper und Verstand und verschiedene Formen des Dialogs zu erkunden; und zwar in Zusammenarbeit mit anderen Künstler/innen. Durch diese Plattform hat er international und auf intensiver Basis choreografiert, selbst auf Bühnen getanzt und unterrichtet.

Alexander Vantournhout (1989, in Brüssel lebend) studierte an der ESAC (Ecole Supérieure des Arts du Cirque, Brüssel) mit den Schwerpunkten Einzelrad, Jonglieren und Tanzakrobatik. Von 2010 bis 2012 studierte er zeitgenössischen Tanz am Tanzinstitut P.A.R.T.S unter der Leitung von Anne Teresa de Keersmaeker. Alexander choreografierte Caprices (2014), ANECKXANDER (2015), das Duett Raphaël (2017, in Zusammenarbeit mit Bauke Lievens), The Ceramic Rose (2018, in Zusammenarbeit mit Scali Delpeyrat) für das Festival d'Avignon, Red Haired Men (2018), Screws (2019) und Through the Grapevine (2020). Seit 2017 und bis 2020 hat Alexander eine künstlerische Residenz im Kunstzentrum Vooruit in Gent (BE) und ist von 2017 bis 2019 als Künstler bei PERPLX in Marke (BE) vertreten. Seine Bewegungssprache ist von etlichen Lernprozessen und Tätigkeiten innerhalb unterschiedlicher Kunstbereiche beeinflusst. Es gibt zwei konstante Faktoren in seiner Arbeit: Seine Suche nach kreativem und kinetischem Potential in körperlicher Limitation, und die Beziehung oder Grenze zwischen dem Performer und dem Objekt. Alexander war ein regulärer Gastlehrer an der ESAC und ACAPA (Akademie für Zirkus und Performancekunst Tilburg, NL), und unterrichtete unter anderem auch an den Institutionen Codarts (NL), Verigo (IT), Plesni Center in Maribor (SL), Travno Center in Zagreb (HR), Circuscentrum Gent, Concervatoire de Mons (BE), Concorde-Montreal (CA), Hong Kong Circus (CHN), PARTS summerschool (BE) und beim Festival Deltebre Dansa (ES).

Sebastian Zuber wurde 1986 geboren und wuchs in Basel auf. Nach einem abgeschlossenen Bachelorstudium in Jura studierte er zeitgenössischen Tanz an der Salzburg Experimental Academy of Dance und machte dort 2015 seinen Abschluss. Er war Mitglied im Ensemble der international erfolgreichen Tanzproduktion More than naked der Choreografin Doris Uhlich und erhielt Engagements am Opernhaus Zürich unter anderem bei Christoph Marthaler in Il viaggio a Reims, Sebastian Baumgarten in Hamletmaschine und bei Herbert Fritsch in Der Freischütz. Er ist Gründungsmitglied des Yugsamas Movement Kollektives, mit welchem er Let the body speak und Collage me herausbrachte. Seit 2016 ist er Tänzer der Johannes Wieland Company und performte in Mariannengraben, Rite of spring, You will never be my number onean, Stück ohne Titel, Ares und in der Wiederaufnahme You will be removed. Als Ensemblemitglied entstanden Zusammenarbeiten mit den Gastchoreografen Tom Weinberger in Segments on notes und Helder Seabra in Röntgen. Als Choreograf und Produzent brachte er die Uraufführungen Professional failure, Lowball, Accalia und Industrial Seagrass auf die Bühne. Im Dezember 2019 choreografierte er am Staatstheater Mainz für das Theaterstück Aggro Alan von Alexander Nerlich. Unter der Serie Quercimovers lancierte er eine exklusive Workshopreihe auf Korsika.

Michael Langeneckert arbeitet als freischaffender Choreograf, Tanzpädagoge und Tänzer, und wohnt in Freiburg (D). Im Oktober 2018 gründete er seinen neuen Verein moving orchestra. In der aktuellen Saison 19/20 arbeitet er an einer neuen Produktion für Moving Orchestra in Freiburg und wurde eingeladen für das Theater in Luzern und für SOZO in Kassel zu choreografieren. Er unterrichtete zeitgenössischen Tanz an etlichen Tanzzentren in Europa, wie z.B. Im Marameo Berlin, Tanzhaus Zürich, HJS Amsterdam, an der Universität Codarts in Rotterdam, im Danceworks Berlin, Sozo in Kassel, für das Theater Bern/Basel/Luzern, Staatstheater Braunschweig and Kassel, für die Kompanie Skanes in Malmö und für die Göteborg Tanzkompanie. Er war Probenleiter bei Tanz Mainz unter der künstlerischen Leitung von Honne Dohrmann (2015 – 2018) und beim Staatstheater Kassel unter der künstlerischen Leitung von Johannes Wieland (2008 – 2012). Zusammen mit Matthias Heipel leitete er seine eigene Kompanie “rebound prod” in Freiburg von 2001 bis 2007. Als Tänzer arbeitete er freischaffend und angestellt an vielzähligen Theatern in Deutschland und in der Schweiz. Als Probenleiter und Tänzer arbeitete er mit Choreograf/innen wie Sharon Eyal, Guy Nader und Maria Campos, Guy Weizman und Roni Haver, Koen Augustijnen, Rui Horta, Johannes Wieland, Linda Kapatanea und Josef Fruzek, Jossy Berg und Oded Graf, Martin Stiefermann und Susanne Linke.

Csaba begann mit 7 Jahren an Sportaerobic Wettkämpfen teilzunehmen und gewann National- und Weltmeisterschaften innerhalb von 8 Jahren in denen er diesen Sport ausübte. 2004 begann er Hip Hop zu tanzen und 2006 zeitgenössischen Tanz. Seine Ausbildung begann Csaba an der Budapest Contemporary Dance School (2007-2009) von der er dann in das letzte Ausbildungsjahr der Salzburg Experimental Academy of Dance (2009-2010) wechselte. Nach seinem Abschluss setzte er seine Ausbildung in Paris an der Juste Debout School fort, wo er sich wieder auf Hip Hop fokussierte, und gleichzeitig lernte er auch Parkour von den Gründern der ersten Parkourgruppe Yamakasi in der ADD Academy. Seit 2008 arbeitete er für Choreograf/innen wie Adrienn Hód, Réka Szabó, Zsuzsa Rózsavölgyi, Tamás Bakó, Máté Mészáros, Eleonore Valére-Lackhy (Fr/Be), Frank Micheletti (Kubilai Khan Investigations, FR), Kaori Ito (JP/BE) und Hiroaki Umeda (JP). Zurzeit tourt er mit Compagnie Linga (CH), Guy Nader & Maria Campos (LB, ES), László Fülöp (HU) und Anton Lachky Company (BE/SK). Seit 2013 unterrichtet Csaba Workshops und seit 2015 leitet er auch Trainings für diverse Tanzkompanies.

Die physical dance theatre Kompanie LAJAMARTIN ist auf die Produktion und Aufführung von live performances spezialisiert und wurde 2017 von Martin Durov aus Slovakien und Laja Field aus Salt Lake City, UT, gegründet. Als Duo haben Martin und Laja ihre Arbeit an etlichen Festivals in den Vereinigten Staaten präsentiert, unter anderem für GDC Curated, WestFest, DANCE NOW NYC Joe's Pub, Austin Dance Festival, SouthSide Arts und für das Music Festival in PA. International waren sie auf folgenden Festivals vertreten: Šibenik Dance Festival, GIF 4 in Brüssel, Circulate im Newcastle College und vor kurzem beim Prisma Festival in Panama. Im Laufe der Jahre ihrer Zusammenarbeit bekamen LAJAMARTIN Aufträge um Choreografien für Ausbildungsinstitutionen zu kreieren, u.a. für Kizuna Dance NYC, BRINE SLC, LINK von SALT contemporary dance, das J.L Bella Konservatorium in Banska Bystrica, di Brigham Young University’s CDT und die Anton-Bruckner Privatuniversität in Linz. Letzteres Stück tourte 2019 nach Einladung von SDF in Kroatien. Weitere Unterrichtstätigkeiten gab es im Gibney Dance Center, an der NYU Tisch, bei CalArts, in der Universität von Utah, sowie an den Univseritäten BYU, CSULB, UCLA, an der DeSales Universität, am Muhlenberg College, am Early Mosley's Institute of the Arts, am Newcastle College & Dance City in England, an der Contemporary Prostor Pro Tanec in Prag, im Konservatorium in Liptovsky Hradok in der Slovakei, für Bad Lemons in München, beim Prisma Festival in Panama, für Johannes Wieland’s Kompanie im Staatstheater Kassel sowie beim b12 festival in Berlin. Mehr Information auf der Webseite: lajamartin.com

Lucía Toker ist eine Tänzerin und Akrobatin die sich der Erkundung und Erforschung von Bewegung sowie dem Unterrichten widmet. Von früher Kindheit an hat sie verschiedene Disziplinen erlernt, dazu zählen Gymnastik, Bodenakrobatik, zeitgenössischer Tanz und Improvisation. Sie unterrichtet seit mehr als 10 Jahren wobei sie sich in den letzteren Jahren auf die Entwicklung eines natürlichen Zuganges zu der Vermittlung von Akrobatik und dessen Integration zur üblichen Bewegung fokussierte. Lucía ist aus Buenos Aires, arbeitete aber in mehreren Provinzen von Argentinien und in verschiedenen Ländern in Europa. Das Reisen war für sie eine Quelle der Inspiration und der Vernetzung. Einer ihrer meist-geschätzten Kollegen ist Tom Weksler, von dem sie selbst gelernt hat und mit dem sie im fortlaufenden Austausch ist. Sie hat einige Jahre lang Solo-Performances kreiert, die von den erfolgreichsten Festivals in Buenos Aires ausgewählt wurden. Ihr Interesse an Rehabilitation und Trainingslehre führte sie zum Austausch mit Kinesiologen über RPG®, Osteopathie, Myofasziale Therapie, Funktionstraining und Flexibilität. Sie hat Weiterbildungen in Global Active Stretching®, Eutony, Flexibility by Biomechanics und Body Mind Balancing® gemacht und mehrere Kurse in Anatomie, Physiologie, Biologie, Biophysik und Biomechanik an unterschiedlichen Universitäten in Buenos Aires belegt.

Oleg ist ein russischer Tänzer und Choreograf. Er hat Physik an der Ural State University studiert und begann seine Tanzkarriere mit 23 Jahren. Als Tänzer bildete er sich durch die Teilnahme an zahlreichen Workshops aus. Außerdem tanzte und entwickelte er Stücke für anerkannte zeitgenössische Tanzkompagnien in Russland. Drei Jahre lang tanzte er für die Göteborg Dance Company. Zurzeit arbeitet Oleg als Tänzer für das Tanztheater Wuppertal / Pina Bausch. Er arbeitete mit Choreografen und Künstlern wie Dimitris Papaioannou, Saburo Teshigawara, Sidi Larbi Cherkaoui, Alan Lucien Oyen, Constanza Macras, Uri Ivgi & Johan Greben sowie Anton Lacky. Oleg kreiert zurzeit allein sowie auch in Kollaborationen an der Schnittstelle von zeitgenössischer Kunst, Tanz und Theater. In seiner kreativen Arbeit hat er sich zum Ziel gesetzt das was erreicht wurde oder eine endgültige Form oder Ästhetik erlangt hat, fortlaufend zu hinterfragen und anzuzweifeln. Oft kommen seinem Tanz und der körperlichen Umsetzung seiner Ideen eine philosophische Auseinandersetzung mit dem Thema und eine theoretische Vorbereitung zuvor.

Marko Fonseca (aus Costa Rica) ist künstlerischer Leiter des Los INnato Projektes welches er im Jahr 2009 etablierte. Marko studierte am El Barco Konservatorium in Costa Rica und hat in verschiedenen Kompanien in Costa Rica und Europa gearbeitet. Durch Los INnato wurden mehr als 15 Produktionen kreiert, die in folgenden Ländern präsentiert wurden: Brasilien, Argentinien, Chile, Peru, Kolumbien, Venezuela, Ecuador, Uruguay, Panama, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador, Guatemala, Mexiko, in den vereinigten Staaten, in Spanien, Portugal, Frankreich, Russland, Belgien, Rumänien, Italien, Tschechien, in der Schweiz und in Korea. Marko hält seine andauernde Forschungsarbeit aufrecht und arbeitet mit unterschiedlichen Künstler/innen der Sparte zusammen. Die Künstler/innen von Los INnato unterrichten Workshops mit dem Titel inPRACTICAL [identification of the other], in denen sie verschiedene Tendenzen der Bewegungskünste, Kampfkunst und Partnering miteinbeziehen. Sie hatten außerdem mehrere künstlerische Residenzen durch welche sie ihre jüngsten Produktionen entwickelten: 2013 in Mexiko, 2014 in Spanien, 2015 in Brasilien, 2017 in Panama und 2019 in Mexiko. INnato ist ein unabhängiges Projekt, das außerdem das internationale Straßenkunst-Festival La Machine und die internationale Trainingsplattform Revés plant und umsetzt.

Olivia Ancona wurde in San Francisco geboren und wuchs in Berkeley, London und anschließend vorwiegend in Portland, Oregon auf. Nach einer Ausbildung an der Juilliard School trat sie von 2010 bis 2012 dem Batsheva Ensemble bei unter der Leitung von Ohad Naharin und kehrte im Jahr 2015 zur Kompagnie zurück. Olivia ist Gründungsmitglied von Sharon Eyal’s LEV und arbeitete mit Mats EK, Johan Inger, Wim Vandekeybus beim Royal Swedish Ballet, Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman), Luca Veggetti sowie Örjan Andersson. Sie war Gasttänzerin am Tanztheater Wuppertal Pina Bausch und tanzte, spielte und beriet im Herbst 2016 für den Film Suspiria unter Regie von Luca Guadagnino. Sie ist zertifizierte Gaga Lehrerin und unterrichtet regelmäßig Research und Repertoire Workshops und Kurse auf der ganzen Welt. Darüber hinaus studiert sie Sharon Eyal’s Arbeiten mit europäischen Kompanies ein. 2019 war sie Teil von den neuen Produktionen Watch von dem Amerikanischen Choreografen Bryan Arias und Story Story Die von Alan Lucien Øyens project company, Winter Guests. Zurzeit ist sie Gästtänzerin am Staatsballett Berlin für Sasha Waltzes neueste Produktion die im April 2020 erstaufgeführt wird. Olivia lebt in Berlin.

Ami Shulman ist die Probenleiterin der GöteborgsOperans Danskompani. Sie choreografierte für das National Theatre of London, für die Shakespeare Theatre Company, Mouvement Perpetuel, und auch in Zusammenarbeit mit Cirque du Soleil, National Ballet of Canada und Ballet BC. Ami hat als Tänzerin für die Kompanie Marie Chouinard, Compagnie Flak und für das DanceOn Ensemble in Berlin gearbeitet, und leitete Trainings und Workshops in Europa, Kanada und den Vereinigten Staaten an Institutionen wie Juillard School, Jacob's Pillow, BANFF Centre for the Arts, CODARTS, Tanzfabrik, Staatstheater Kassel und B12. Sie ist außerdem eine Mitarbeiterin des Projektes Springboard Montreal/New York. Ami ist Mitautorin der Anthologie Back to the Dance Itself und veröffentlichte wissenschaftliche Artikel zu körperlich verinnerlichter Wahrnehmung in der Pädagogik der verkörperten Mathematik. Sie ist zertifizierte Feldenkrais-Praktikerin.

shamel ist ein preisträger des Princess Grace Award in choreography 2018. in Brooklyn, new York, geboren, begann er sein Tanztraining gleichzeitig an der LaGuardia High School for Music & Art and the Performing Arts und an der Ailey school. shamel bekam seinen bfa Abschluss von der Juilliard school und ihm wurde der the Martha Hill Award for excellence in dance preis verliehen. direkt danach ging er für sieben jahre zu der batsheva dance company un der der Leitung von ohad naharin. shamel hat ein trytichon an multidiszipliären arbeiten geschaffen: BLACK BOX: Little Black Book Of RED (besprochen in der New York Times), BLACK VELVET: Architectures And Archetypes (hat den Audience Choice Award At Stockholm Fringe Festival erhalten) und BLACK HOLE: Trilogy And Triathlon, welche den CROSS Award Residency IV Edition in Italien erhalten hat. shamel ist ein Teilzeitprofessor an der Juilliard school und war ein artist in residence an der Harvard Universität. für mehr information gehe bitte zu www.shamelpitts.com

Guilhem Chatir wurde in Toulouse geboren. Er begann seine Ausbildung in den Bereichen Hip Hop und Zirkus, was ihn zum Conservatoire à Rayonnement Régional de Toulouse führte. 2010 trat er in das Conservatoire National Supérieur de Musique und de Danse de Paris ein. 2013 wechselte er an die Schule P.A.R.T.S. unter Leitung von Anne Teresa de Keersmeaker. 2015 begann er mit der Tanzkompanie Ultima Vez unter Leitung von Wim Vandekeybus an den Wiederaufnahmen von What the body does not remember und In Spite of Wishing and Wanting zu arbeiten. 2017 initiierte er eine Zusammenarbeit mit Lali Ayguade für das Stück here. Im November 2018 begann er mit Yoann Bourgeois für dessen Werk Requiem zu arbeiten. Im Februar 2019 begann er für die Produktion von Anton Lachkys neustem Werk Ludum zu arbeiten. Im Oktober 2019 gründete er seine eigene Tanzkompanie Guilhem Chatir.

Robert wurde in den Vereinigten Staaten geboren, war 13 Jahre lang ein Wettkampf-Turner und schrieb sich im Jahr 1989 für das BFA Studium für Theater und Tanz an der University of New Mexico ein. 2002 begann er für Ultima Vez zu arbeiten und in den Produktionen Blush, Sonic Boom, PUUR, Spiegel und in den Wiederaufnahmen von What the Body Does Not Remember und In Spite of Wishing and Wanting zu tanzen. Seit 2009 hat er als Regisseur, Choreograf, Performer und Komponist mit mehreren belgischen und internationalen Künstler(inne)n zusammengearbeitet. Seine eigene künstlerische Arbeit schließt über 20 Jahre praktische und theoretische Forschungsarbeit und Erfahrung zu Performance, Tanz, Theater, Klangkunst/Musik, Stimme und Bewegung zusammen. Er lebt zurzeit in Brüssel und unterrichtet regelmäßig internationale Workshops.

Stella Zannou arbeitet als Choreographin, Tänzerin und Pädagogin und lebt seit 2009 in Berlin. Sie hat Zeitgenössischen Tanz und Choreographie in Athen (Greek State School, American College of Greece) und London (London College of Dance und London Studio Centre) studiert. Als Tänzerin war sie unter anderem für Johannes Wieland am Staatstheater Kassel, Maya M. Carrol (nee Lipsker), Clint Lutes, Richard Siegal, Walter Bickmann, Athina Vahla, M. Klien, Nicolas Mortimore, Kunst-stoff (Yannis Antoniou), Editta Braun, Thomas Mettler, Apostolia Papadamaki, Haris Mandafounis, K.Mixos und Prosxima Dance Company tätig. 2006 gründete Stella Zannou die Smack Dance Company in Athen. Stella hat auch für dιe: Opernhaus in Wien, Company Bodhi Projekt / SEAD, Staatstheater Kassel, Sozo Visions of motion, American College of Greece usw choreographiert. Stella unterrichtet Tanz für Tanzkompanien, Staatstheaters, Festivals, Tanz-theaterschule, Üniversitäte wie Staatstheater Braunschweig und Kassel, Toula Limnaios co, Iwanson International School of contemporary dance, DancePAT, Sozo Visions in Motion, Hochschule für Musik und Tanz – Köln, Danceworks - Berlin, Dock11, Marameo, Laborgrass, Tanzfabrik, Potsdamer Tanztage, B12, Hollins Universität, SEAD, Anton Bruckner Universität, Greek State School of Dance, International Dance Festival of Kalamata, Eröffnungsfeiern - Paraolympic games, Athen 2004, The American College of Greece, One Small step festival, Akropoditi Festival, Proda, Nachschub, Lincoln Universität - Gnarl Festival.

Zoe Gyssler ist eine aus der Schweiz stammende Choreografin, Pädagogin und Performerin die in Deutschland und Spanien ansässig ist. Nach einer langen Gymnastikausbildung absolvierte sie ihr Tanzstudium an der Schule Varium in Barcelona und an der Musik- und Tanzakademie in Jerusalem. Zurück in der Schweiz arbeitete sie als freischaffende Tänzerin für das Cathy Sharp Dance Ensemble, für Marcel Leemann und Edan Gorlicki; kreierte ihre eigenen Werke und arbeitete als Tanzpädagogin. Im Jahr 2013 mitbegründete sie das Tanzkollektiv Bufo Makmal und kreierte Into Pieces und ALL.ES. Kurz Nach ihrem Bachelorabschluss in Kulturanthropologie und Sportwissenschaften im Jahr 2015 trat sie drei Jahre lang der Johannes Wieland Kompanie in Kassel bei. Während ihrer Vollzeit-Anstellung am Staatstheater Kassel arbeitete sie mit Gastchoreograf(inn)en wie Maxine Doyle, Tom Weinberger und Helder Seabra. Gleichzeitig fuhr sie auch mit dem Kreieren ihrer eigenen künstlerischen Arbeit fort. Die Performance Almost There wurde 2016 gezeigt und 2017 folgte ihr nächstes Stück Silence Is Red in Kassel. 2018 choreografierte sie This is Erol, eine Zusammenarbeit mit Victor Rottier, und ihr kurzes Solostück thevisitor. 2019 arbeitete sie mit Wim Vandekeybus / Ultima Vez für das Residenztheater München. https://www.zoemariaolga.com

shafiki sseggayi flogen die herzen der menschen zu bei der show so you think you can dance netherlands im jahr 2011. in einem kleinen afrikanischen dorf in uganda geboren, lernte shafiki traditionelle afrikanische instrumente zu spielen und zog mit 15 in die großstadt kampala, wo er mit afrikanischem Zeitgenössischem Tanz in berührung kam. tanz lehrte ihn so viel über sich selbst, gab ihm kraft, energie, hingabe und charakter. in uganda war er mitglied verschiedener kompanien so wie die mutumizi dance company, keiga dance company und die latin flavor uganda, für die er als performer und choreograph seiner eigenen stücke tätig war. allen interessierten aspekte über ihn selbst, afrikanischer kultur und mentalität nahe zu bringen, ist ihm bei seiner arbeit sehr wichtig. später zog shafiki in die niederlande, um 2011 die amsterdamer kunstschule zu besuchen, welche er vier jahre später mit einem abschluss des urban contemporary departments verließ. im jahr 2013 arbeitet er mit wim vandekeybus/ultima vez. seit 2014 ist er mitglied des johannes wieland tanztheaters am staatstheater kassel.

Niv ist ein Mensch geboren in der Küstenstadt Haifa in Israel. er trainierte und unterrichtete 7 Jahre lang Capoeira, Akrobatik und Afro-Brasilianischen Tanz mit Ido Portal und wurde im Alter von 16 Jahren zertifizierter Kampfkunstlehrer durch das „Wingate“ Institut. nach seinem Wehrdienst folgte Niv seinem Interesse an Politik und den darstellenden Künsten indem er Kurse an der Schauspielschule Nissan Nativ in Tel Aviv belegte. Kurz nachdem er den Workshop für Tänzer/innen und Choreograf(inn)en in Haifa abgeschlossen hatte setzte er sein Studium des zeitgenössischen Tanzes an der Tanzakademie SEAD in Salzburg fort. Kurz darauf, im Jahr 2016, trat Niv der Johannes Wieland Tanzkompanie des Staatstheaters in Kassel bei durch die er mit Choreograf(inn)en wie Johannes Wieland (de), Maxine Doyle (uk), Lenka Vagnerová (cz) und Helder Seabra (pt) zusammengearbeitet hat. Er arbeitete außerdem freiberuflich mit Künstlern wie Evangelos Poulinas (gr) und Ryan Mason (us) zusammen. Seit kurzem engagiert sich Niv für die Verbesserung der Rechte von Tänzer(inne)n im Rahmen der Gdba-gewerkschaft und der Organisation dancersconnect in Deutschland. er ist fasziniert von Menschen, vom kreativen Schaffen und von der politischen Funktion von Körper und Choreografie, ein Fan von Empathie und stoischer Philosophie, und liebt die Wüste.

Ich bin Künstler, Choreograf und Tänzer. Seit meiner Kindheit waren Kampfkunst und Akrobatik meine Hobbies. Ich bin von vielen Dingen inspiriert und gebe mein Bestes um diesen Dingen täglich zu begegnen. Ich praktiziere Meditation und versuche mit meinem Körper und meiner Umgebung achtsam umzugehen. Ich bin seit mehr als 10 Jahren als professioneller Tänzer tätig und vor kurzem verlagerte sich mein Interesse auf das Choreografieren, das Tanzen meiner eigenen Werke und das Zusammenarbeiten mit anderen KünstlerInnen, anstatt als freischaffender Performer zu arbeiten. Ich verstehe zeitgenössischen Tanz als die Kunst des Neu Erfindens, und zwar der Formen sobald ich damit in Berührung komme, und als interdisziplinäre Praxis der Zusammenwirkung mit anderen Kunstformen. Ich bin außerdem auch daran interessiert Tanz außerhalb von Theatern zu zeigen um ihn auf die Straßen und an alle Ecken der Gesellschaft zu bringen. Ich habe mit 16 begonnen zu unterrichten. Da das Unterrichten ein behutsames Handwerk ist, ist es mir sehr wichtig mich ständig weiterzuentwickeln und meine Herangehensweise zu verbessern. Im Zentrum dieser Verfeinerung steht der Dialog, vor allem mit meiner Partnerin Roser, aber auch mit Kollaborateur/innen, Kolleg/innen, meinen Lehrer/innen und Kursteilnehmer/innen denen ich während der Jahre begegnet bin. Ich erinnere mich außerdem täglich dass das was ich nicht weiß größer ist, als das was ich weiß.

evangelos poulinas hat einen mfa in choreografie von der renommierten tisch school of the arts der new york university, ein diplom von der athens state school of dance und einen bachelor von der physical education department, aristoteles universität von thessaloniki. ihm sind stipendien von zahlreichen renomierten stiftungen zuerkannt worden, so von der alexandros s. onassis public benefit foundation, der new york university, greek state scholarship und dance web europe. als künstler hat evangelos seine arbeiten in den usa und europa präsentiert. als tänzer wirkte er in stücken von johannes wieland, maxine doyle, katarzyna gdaniec und marco cantalupo, marcel leemann, constanza macras, konstandinos rigos, nigel charnock, jasmin vardimon sowie wim vandekeybus und anderen mit. als lehrer unterrichtet er zeitgenössische techniken und partnering und gibt community kurse in deutschland, italien, polen, der schweiz, griechenland, österreich, usa und schweden.

Julian Barnett ist Performer, Choreograf, Kunstanwalt und Pädagoge. Julian wurde in Tokio, Japan, geboren. Er lebt zwischen New York und Vermont und arbeitet international. Als Choreograf kreiert Julian Performances die gesellschaftspolitische Möglichkeiten für Transformation und Empathie durch die Linse der Philosophie, Musikwissenschaft, Wissenschaft und des Übernatürlichen erforschen. Er war ein danceWEB-Stipendiat wodurch er mit Benoit Lachambre arbeitete, erhielt ein US-Amerikanisches/Japanisches Kunststipendium durch das er Butoh im Kazuo Ohno Studio lernte, und war Künstler in Residenz bei K3 Tanzplan Hamburg wo er sein Stück „Blue Marble“ kreierte, welches auf Bühnen wie Kampnagel (DE), Dansehallerne (DK), La Briqueterie (FR), beim Body Arts Lab (JP) und in den USA bei Danspace Project (NY) und im Pieter Performance Space (LA) gezeigt wurde. Sein kreatives Schaffen ist stark von seinen vielzähligen Kollaborationen beeinflusst, denn er arbeitete als Performer mit Künstler(inne)n wie z.B. Steve Paxton, Jeanine Durning, Johannes Wieland / Staatstheater Kassel, Wally Cardona, Erik Kaiel, John Scott / Irish Modern Dance Theater, Deufert & Plischke und Kota Yamazaki. Durch die letztere Zusammenarbeit erhielt er eine Nominierung für den New Yorker Tanz- und Performance-Preis Bessie. Julian unterrichtet mit einem Fokus auf körperlichem und performativem Training, betreut andere Künstler/innen als Mentor und teilt seine Perspektiven in Institutionen wie ArtEZ, Dance Italia, La Caldera, Uferstudios, NYU Tisch, Princeton, Juilliard und anderen.

Mao Wei und Wong choi si begannen 2013 zusammen zu arbeiten und gründeten die Kunstplattform MW Dance Theatre. RESEARCHING, CREATING AND PERFORMING. Hauptmerkmale ihrer Arbeit sind ihre Leidenschaft die körperlichen Charakterzüge ihres individuellen Stiles weiterzuentwickeln und ihr feinfühliges Partnering mit einer starken optischer Wirkung. Sie spezialisieren sich außerdem auf die Verwendung von Bildern um eine emotionale Atmospäre zu schaffen die vom Publikum wahrgenommen werden kann und die Vorstellungskraft anregt. In den letzten Jahren wurden sie für die junge Generation der Kunstszene von Hong Kong und Macau bekannt und repräsentativ. Ihre jüngste Arbeit Shelf Life (2016), Pardon (2015), Mapping (2016), A Part of Us (2018) und Les Curious Fringes; The Blast of the Cave (2018) tourte zu Festivals wie das Hong Kong HDX Festival, Macau City Fringe Festival, Guangzhou Modern Dance Festival, Fukuoka Fringe Festival, Seoul NDA International Dance Festival, Cadiz en Danza, Masdanza International Choreography Contest, One Small Step Urban Dance Festival in Corfu, nach Amsterdam und zum Internationalen Wettbewerb für Choreographie Hannover.

Dor Mamalia und Dariusz Nowak begannen ihre Zusammenarbeit als Tänzer und Choreografen im Jahr 2017. Nach zwei erfolgreichen Jahren der Kreation und Aufführung erweiterten sie ihre Gruppe auf drei neue Mitglieder: Jin Young Won, Vladimir Varnava und Alicja Róża und gründeten das Tanzkollektiv HUMAN FIELDS. Sie bekamen Anstellungen bei / Aufträge von Theatern wie das Saddler's Wells, das Korzo Theater, das Theater Regensburg, so wie vom Suzanne Dellal Zentrum, von KONTEXT Diana Vishneva, und anderen Organisationen aus den Niederlanden, der Schweiz, Frankreich, Italien, Spanien, Österreich, Russland, Israel und Polen. Im letzten Jahr hat HUMAN FIELDS ein Stück für das ProvincialDances Theatre in St. Petersburg, das TCUNAM in Mexiko und für das internationale Tanzprogramm Vertigo geschaffen. Im November 2019 haben sie ihr neues Werk Place to be uraufgeführt und tourten mit dem Curtain Up Festival in Israel. Mamalia und Nowak leiten außerdem Workshops die auf ihrer einzigartigen Bewegungssprache basieren als Teil von Tanzprogrammen auf der ganzen Welt.

Kenan Dinkelmann wuchs in Passau (D) auf und absolvierte den BA (Bachelor of Arts) an der Tanzabteilung der Universität Artez in Arnhem und das postgraduate Programm Bodhi Project am Tanzinstitut SEAD in Salzburg, unter der Direktion von Susan Quinn, wodurch er Arbeiten von Jozef Frucek & Linda Kapetanea, Martin Nachbar und Robert Clark in ganz Europa tourte. Als freischaffender Tänzer hat Kenan mit Johannes Wieland, Marion Sparber, Ivan Perez, Unterwegstheater und Anton Lachky gearbeitet. Von 2015 bis 2017 war er Tänzer der Kompanie des Stadttheaters Bielefeld wodurch er Werke von Wim Vndekeybus, Simone Sandroni und Sharon Fridman tanzte. 2019 kreierte er das Stück Astral welches am Derida Dance Centre in Sofia erstaufgeführt wurde und weiters im Theater Dock11 in Berlin gezeigt wurde. Kenan ist Gastdozent am Stadttheater Bielefeld, im Marameo Berlin, am Staatstheater Kassel, Volkstheater Rostock, Theater Osnabrück, beim TRAK Dance Ensemble, Tanzbüro Basel, bei Profitraining Leipzig und im K3 Choreografischen Zentrum Hamburg.

Die Italienerin Rossella Canciello ist eine in Berlin lebende Choreographin und Tänzerin. Über die Jahre hat sie mit internationalen Tanzkompagnien und für Theater wie Goldoni Theater, Deutsche Oper, Staatsoper Im Schiller Theater, Arabesque Company, Ensemble Ballet und die Borderline dance Company gearbeitet. Sie arbeitet mit Susanne Linke an diversen Projekten zusammen und war erst kürzlich als Assistentin in ihren Workshops tätig. Als Lehrerin unterrichtet sie zeitgenössische Tanztechniken, Komposition und Improvisation. Neben ihrer Arbeit im Bereich Tanz unterrichtet sie auch die GYROKINESIS® Methode.

evangelos poulinas hat einen mfa in choreografie von der renommierten tisch school of the arts der new york university, ein diplom von der athens state school of dance und einen bachelor von der physical education department, aristoteles universität von thessaloniki. ihm sind stipendien von zahlreichen renomierten stiftungen zuerkannt worden, so von der alexandros s. onassis public benefit foundation, der new york university, greek state scholarship und dance web europe. als künstler hat evangelos seine arbeiten in den usa und europa präsentiert. als tänzer wirkte er in stücken von johannes wieland, maxine doyle, katarzyna gdaniec und marco cantalupo, marcel leemann, constanza macras, konstandinos rigos, nigel charnock, jasmin vardimon sowie wim vandekeybus und anderen mit. als lehrer unterrichtet er zeitgenössische techniken und partnering und gibt community kurse in deutschland, italien, polen, der schweiz, griechenland, österreich, usa und schweden.

Franziska ist gebürtige Berlinerin, erhielt ihre Ausbildung an der Staatlichen Ballettschule Berlin und tanzte an der Staatsoper und beim Peter Schaufuss Ballet bevor sie 1998 als freischaffende Künstlerin nach London ging. Sie unterrichtet als Gastlehrerin professionelle Tanzkompagnien und arbeitet mit Tänzern von Amateur- bis Profiniveau sowohl in Gruppen- als auch in Einzelsitzungen. Sie ist zertifizierte Pilates, Yoga, und Gyrotonic® Lehrerin und betreut Kunden in ihrem Studio in East-London. Franziska hat Holistic Ballet® entwickelt und produziert Holistic Ballet Unterrichts-DVDs.

Geboren im wilden Osten. Glaubt dass die Realität letztendlich zeitlos ist und mit der Logik des Universums arbeitet. Wird oft als Tänzerin, Performerin und Pädagogin bezeichnet. Schlug ihre Wurzeln in der Fighting Monkey Praxis, studierte Kulturanthropologie und hat zwei Abschlüsse von SEAD, nämlich in Choreografie und Performance. In den vergangenen 13 Jahren folgte sie dem Fighting Monkey Pfad, welcher zu einer Achse ihrer Pädagogik wurde. Als Pädagogin motiviert sie der Bewegungsdrang – als Konsequenz des Lebendigseins – und ihr unaufhörlicher Wille ihr Wissen zu teilen und weiterzugeben. Ihr Unterricht baut vollkommen auf der FM Praxis auf und erreicht Tänzer/innen, Schauspieler/innen, Zirkuskünstler/innen, Sportler/innen und alle anderen Bewegungsfreudigen. Zurzeit ist sie beschäftigt mit: Fighting Monkey, dem Studium der TCM, Stille, dem Erwecken der Archetypen mit CHVE (Zusammenarbeit „This Kind Of Bird...“) und zu guter Letzt – mit ihrer Suche nach einer achtsamen Formlosigkeit unter Aufsicht von Lisbeth Gruwez.

Jozef fruček und Linda Kapetanea haben die bewegungsbasierte Praxis „Fighting Monkey“ gegründet. Sie sind beide professionell in den Feldern der Kunst, der Leichtathletik und der Bewegungsforschung tätig. Jozef hat einen professionellen Hintergrund als Sportler, in der Kampfkunst und im Theaterbereich. Seit 2000 lernt er unter Master Ming Wong C.Y., welcher auch ein TCM Arzt ist, die internen Prinzipien von Bewegung und dessen Verbindung zur Gesundheit und zum Altern. Im Jahr 1997 begann er ein Doktoratsstudium in Stimme und Bewegung und bekam seinen Titel als Doctor of Arts im Jahr 2002 unter der Supervision von Ludmila Machatsova, die als eine der einflussreichsten Kommunikationstrainerinnen gilt. Seit 2002 entwickeln Linda und Jozef „Fighting Monkey“ durch ihre tiefgreifende Auseinandersetzung mit der Kreuzbewegungsanalyse und mit dem Ziel die Prinzipien der menschlichen Bewegung und des Alterungsprozesses zu verstehen. Die Fighting Monkey Praxis ist ihre Erforschung von Bewegungskapazitäten welche sie zu entdecken und zu erweitern pflegen um sich als menschliches Wesen weiterzuentwickeln. Jozef und Linda reisen um die Welt, und als Teil ihrer Wanderung der endlosen Kreativität und Erforschung leiten sie Seminare, Workshops, geben Vorträge und präsentieren ihre Performances an Schulen, Universitäten und auf internationalen Bühnen.

In seiner Kompanie RUBBERBAND führt Victor Quijada seine zwei inneren Pole zusammen: Die Spontanität, das Risiko und die Furchtlosigkeit der Hip Hop Kultur der Amerikanischen Westküste, in der er aufwuchs, und die choreografische Verfeinerung des zeitgenössischen Tanzes, das Milieu in dem er sich zum professionellen Tänzer entwickelte. Der revolutionäre Charakter seiner Ästhetik kommt in den nahezu 30 Werken zur Geltung, die er während seiner 17-jährigen künstlerischen Forschungsarbeiten entwickelte. Getränkt in der innewohnenden Unabhängigkeit der Straße und einem Scharfsinn für die Bühne, erkunden seine Choreografien menschliche Beziehungen, mit einem besonderen Fokus auf der Leidenschaft der Besessenheit, der Brutalität von Gewalt, und der Feinheit die sowohl der Tragödie als auch der Komödie innewohnt. Aufgrund seiner Liebe für Streetdance strebt Victor Quijada danach so oft wie möglich die Spontanität von Hip Hop Circles in den Bühnenaufführungen zu integrieren und die Grenze zwischen den Performer(inne)n und dem Publikum zu brechen. Neben seiner Performance- und Filmarbeit hat Victor auch ein Trainingsprogramm entwickelt, die RUBBERBAND-Methode, welche professionelle Tänzer/innen auf die choreografischen Anforderungen der Kompanie vorbereitet. Dieses Programm weiht Tänzer/innen in die Hybridität der Bewegungen ein die sowohl von urbanem als auch von zeitgenössischem Tanz beeinflusst sind, während Elemente wie die Interpretation, individuelle Entscheidungen, rhythmische Variationen und Partnering betont werden. Während die Kompanie tourt werden regelmäßige Workshops und Vorträge angeboten.

Im Jahr 2006 entschied sich Felix Landerer als freischaffender Choreograph zu arbeiten und gründete in Hannover seine Kompagnie LANDERER&COMPANY. In 2010 gewann er den ersten Preis beim Internationalen Choreographen Wettbewerb in Hannover und den Produktionspreis des Scapino. Am Scapino Ballett erhielt er 2011 als Choreograph eine Residenz und entwickelte in den nachfolgenden Jahren Stücke und Arbeiten nicht nur für Scapino und LANDERER&COMPANY, sondern auch für Kompagnien in Europa und den USA, darunter dem Nationaltheater Mannheim, der Gothenburg Opera Dance Company, dem Konzerttheater Bern, dem Northwest Dance Project Oregon, dem Theater St Gallen, Norrdans, dem Theater Münster und demnächst für das NDT. Im Jahr 2013 wurde seine Produktion blind spot für das Scapino Ballett bei den SWAN Awards in der Kategorie Beste Tanzproduktion nominiert und LANDERER&COMPANY erhielt in 2017 den PRO VISIO Preis für herausragende künstlerische Leistungen beim Stück Revolte! Außerdem ging der STADTKULTURPREIS Hannover an LANDERER&COMPANY für ihr hervorragendes gesellschaftliches Engagement in Kunst und Kultur. Felix arbeitet weiterhin für seine eigene Kompagnie als auch andere und leitet inklusive Programme und Angebote für Hannovers Bürger mit dem Ziel, seine Leidenschaft für Bewegung und non-verbale Kommunikation zu teilen. Seine Angebote sind offen für jeden und ohne Zugangshürden.

Jaamil Olawale Kosoko - performer, poet, kurator, Lehrer

Jaamil Olawale Kosoko ist ein nigerianisch-amerikanischer performance künstler, poet und Kurator, ursprünglich aus Detroit, mi. er ist ein 2019 NYSCA/NYFA Artist Fellow in Choreography, 2019 NPN Development Fund Award, ein 2017-19 Princeton Arts Fellow, 2019 Red Bull Writing Fellow, 2018 NEFA NDP Production Grant, 2017 MAP Fund Empfänger und ein 2017 Cave Canem Poetry Fellow. seine künstlerische Arbeitsweise zieht ihre Inspiration aus dem Umfeld des black study und den queeren Theorien des körpers. diese werden zu einem Teppich aus visueller performance, vorträgen, Ritualen und spirituellen Praktiken verwoben. neben seinen letzten arbeiten, Séancers (2017) und dem Bessie nominierten #negrophobia (2015), tourte er international: Tanz im August (Berlin), Moving in November (Finland), Within Practice (Sweden), TakeMeSomewhere (UK), Brighton Festival (UK), Oslo Teaterfestival (Norway) und Zürich MOVES! (Switzerland) und andere. er ist der Autor von zwei Büchern und seine Gedichte und Essays waren teil des American Poetry Reviews, The Dunes Review, The Broad Street Review, und anderen. seine nächste Arbeit, Chameleon: A Biomythography, wird im April 2020 premiere feiern. bitte besuch meine webseite jaamil.com oder folge mir auf instagram @jaamilkosoko.

troels Primdahl hat seit 2010 kollaborative und interdisziplinäre projekte ins leben gerufen. er ist ein sehr vielfältiger Direktor und Choreograf mit einem Katalog von arbeiten, die Tanzstücke, Opern, Kunstfilme, performance art und Modenschauen beinhalten. zwischen 2005-2012 hat er in einem B.F.A + M.F.A. programm für Aesthetics and Culture in Aarhus University, Denmark studiert. zeitgleich belegter er auch installation und conceptual art in der Aarhus Art Academy und klassisches piano an der Royal Academy of Music. neben der charakterisierung seiner arbeit als einfach und existentialistischer unruhe, hat primdahl oft ein interesse an ort spezifischen kontexten. In 2015 wurde er zu einer auftragsarbeit für Decoda gebeten (die Affiliate Ensemble der Carnegie Hall) um seine erste Kammerorchestersuite zu komponieren. NIGHT IS ALSO A SUN, welche als vertikales Konzert in der Abflughalle eines Flughafens inszeniert wurde. In 2017 gab er seine erste grand techno ballet premiere: MY ICARUS COMPLEX, die wiederum auf einer militärluftbasis auf dem Djursland Peninsula stattfand. von 2018 hat Primdahl sich sehr für die Entstehung und das kuratieren des neuen hybriden Kunstzentrums in Berlin, TRAUMA BAR UND KINO gekümmert.

Eine der offensten Theaterchoreografinnen der Britischen New Wave (The Observer). Darkin kreiert preisgekrönte, originelle Werke im Bereich Tanz und Theater. Ihre Präsenz in der internationalen Choreografie-Szene ist bekannt und ihre Arbeit wird weltweit präsentiert: Vor kurzem tourten ihre Werke im Vereinigten Königreich, in Asien, Südamerika und Europa. Darkin erhielt Preise wie Jardin D'Europe, den Jerwood Prize und Junges Hundes. Ihr Werk Velvet Petal gewann im Jahr 2017 den Lustrum Preis für Tanz. Equilux wurde als Auftrag für Danza Contemporánea de Cuba kreiert und tourt auf der ganzen Welt. Das vom Linbury-Trust finanzierte Stück Miann war Teil des Kulturprogramms in Glasgow im Jahr 2014, sowie im Jahr 2016 in Brasiliens Kultur-Olympiade. South Bank Centre/Laban beautragte das Stück SisGo welches auch beim Edinburgh International Festival 2013 gezeigt wurde. 2011 kreierte sie Innocence, ein Werk das mehr als 150 Mal gezeigt wurde und unter anderem nach Südamerika und China tourte. Darkin kreierte Werke an den Institutionen PARTS in Belgien, Prem in Thailand, SESC in Brasilien, Instituto Nacional de Bellas Artes in Mexiko, Adishakti in Indien, Theatre Mono im Libanon, sowie am Laban Konservatorium, im Royal Opera House, The Place und im 02 (UK). Sie choreografierte außerdem in Zusammenarbeit mit folgenden Theatern im Vereinigten Königreich: The National Theatre, The National Theatre of Scotland, Leeds Playhouse, Birmingham Rep, Edinburgh Lyceum, Globe, Royal Court, Bristol Old Vic und für The Abbey Theatre in Dublin. Darkin hatte die Position der künstlerischen Leitung des Scottish Dance Theatre in den Jahren 2012-2018.

shannon gillen kann eine umfassende karriere als tänzerin und choreografin in nyc und europa vorweisen. sie war mitglied des johannes wieland ensembles am staatstheater kassel in deutschland, gewann auszeichnungen am mainfranken theater würzburg, dem internationalen solo-tanz theater festival in stuttgart (3. preis im bereich tanz), arbeitete am tif theater in kassel und wurde als think big choreografin für eine residenz an der staatsoper hannover ausgewählt. shannon gründete die kompanie vim vigor in nyc welche den hauptwohnsitz ihrer kollaborativen, choreografischen arbeiten und ihrer lehrtätigkeit darstellt. Neben den kreationen für die kompanie bekam sie auch aufträge um werke für das L.A. Dance Project, die NY Fashion week (für das modelabel phelan), für DANCEworks im Lobero Theatre, Hubbard Street 2, Gibney Dance und de Danseurs zu choreografieren. Nennenswerte festivals und Veranstaltungsorte in denen ihre produktionen gezeigt wurden sind unter anderem NYLA, Prisma Festival, Judson Church, PULSE Art Fair/Art Basel, Bryant Park, NYC's River to River, The Joyce, and Jacob’s Pillow. 2018-19 war Shannon Choreografin in residence im Lewis Center for the Arts an der Princeton Universität und 2020 werden ihre Werke am ICA in Boston, UNCSA, Rutgers, Gibney Dance, Over het Ij in den Niederlanden uraufgeführt. Sie wird außerdem zu Springboard Danse in Montreal und zum b12 festival in berlin zurückkehren um neue arbeiten zu kreieren. Vim vigor bietet zweimal jährlich (im Winter und Sommer) ein Workshop Programm mit dem Fokus auf physical dance theatre an.

Ben Wright ist ein in Großbritannien lebender, selbständiger Regisseur und Choreograf der in den Bereichen Tanz, Oper und Theater tätig ist. Seine choreografische Sprache wird als poetisch und der körperliche Ausdruck als sumptuös beschrieben, wobei Menschlichkeit und Erzählkunst im Zentrum seiner Praxis stehen. Er erhielt seine Ausbildung an der Rambert School of Ballet and Contemporary Dance und arbeitete als Performer von 1991 bis 2006. Er ist seit 2018 und noch bis 2020 künstlerischer Kodirektor von der Candoco Dance Company und war stellvertretender künstlerischer Leiter/Choreograf für Skånes Dansteater zwischen 2014-2018. Er leitet seine eigene auf Projektarbeit basierte Kompanie: bgroup. Bens jüngste Produktionen sind The Lost Thing für das Royal Opera House London und Candoco, A space in the Dark für Black Box Dance Theatre und der Film seiner neuen Produktion The Feeling of Going – eine komplett instrumentierte Inszenierung von Sigur Ros Leadsänger Jonsis Album GO für Skånes Dansteater - der bereits von Arthaus Musik als BlueRay veröffentlicht wurde. Als Performer arbeitete Ben für Stan Wont Dance, Adventures in Motion Pictures, Ricochet, London Contemporary Dance Theatre, Richard Alston und für Amanda Miller's Company: Pretty Ugly. 1995 kreierte er die Rolle des Prinzen in Matthew Bournes Version von Schwanensee. Er ist ein Mentor für junge Künstler/innen und unterrichtet auf landesweiten und internationalen Workshops.

johannes wieland stammt aus berlin und machte seinen bfa an der amsterdam university of the arts. er arbeitete mit zahlreichen kompanien und namhaften choreografen bevor er schließlich als solist dem béjart ballet in lausanne beitrat. bereit für eine radikale veränderung zog johannes wieland nach new york und besuchte die new yorker tisch school of the arts, an der er im jahr 2002 den mfa in zeitgenössischem tanz und choreografie erwarb. in new york gründete er seine company johannes wieland und legte den grundstein für den katalog seiner arbeit. seit 2006 ist wieland tanzdirektor und choreograf am staatstheater kassel. neben dem choreografieren und unterrichten für kompanien und universitäten werden seine von der kritik als psychologisch archaisch aufgeschlüsselt bezeichneten stücke auf internationale festivals und events eingeladen. johannes ist auch co-direktor für das jährlich stattfindende b12 festival für zeitgenössischen tanz und performance art (www.b12.space) in berlin. er ist preisträger des kurt jooss preis und wurde mit zahlreichen weiteren preisen, ehrungen und stipendien ausgezeichnet. mit seinem stück you will be removed war er für den deutschen theaterpreis der faust 2016 nominiert.

Scotty Hardwig ist Tänzer, Choreograf und Multimediakünstler dessen künstlerische Praxis ein artikuliertes, athletisches Bewegungsvokabular mit den Schwerpunkten digitaler Tanz, Fotografie, Video, Projektion und Sounddesign für Live-Auftritte verbindet. Als freischaffender Performer und Mitglied der dreißigsten Jubiläums-Saison der AXIS Dance Company hatte er die Ehre mit international anerkannten Choreograf(inn)en wie Marc Brew, Stephen Köster, Johannes Wieland, Joe Goode, Amy Seiwart, Eric Handman, Yannis Adoniou, Satu Hummasti, und Stephan Koplowitz zusammenzuarbeiten. Er hatte auch die Ehre auf international renommierten Bühnen wie dem Kennedy Center, dem Marriott Center for Dance und dem Gibney Dance Center in New York City aufzutreten. Er ist nicht nur Choreograf und Performer, sondern auch preisgekrönter Videotanz-Produzent und Regisseur. Seine Tanz-choreografische Filmarbeit wird häufig in Nordamerika, Europa und Asien gezeigt. Als Pädagoge unterrichtete er an Instituten wie z.B. an der University of Utah oder am Middlebury College die Fächer Improvisation, Ästhetische Theorie und Tanzgeschichte, Anatomie und Kinesiologie, Tanzmedien sowie zeitgenössische Technik und Komposition. Er erhielt sein MFA in Tanz von der University of Utah und war zuletzt Künstler in Residenz beim Bates Dance Festival (2015) sowie künstlerischer Leiter der Dance Company of Middlebury (2016-17).

Chrysanthi Badeka ist freischaffende Choreografin, Videografin, Tänzerin, Redakteurin und künstlerische Ko-Leiterin des ATHENS VIDEO DANCE PROJECT – Internationales Tanz-Film-Festival. Nachdem sie 2004 von der Rallou Manou Professional Dance School in Athen graduierte, schloss sie im Jahr 2005 ein Masterstudium an der Tisch School of the Arts der NYU in New York ab. Letzteres wurde ihr durch Stipendien von der staatlichen Stipendien-Stiftung Griechenlands und von der New York Universität ermöglicht. Sie kehrte im Jahr 2009 nach Athen zurück und begann ein postgraduales Studium in digitaler Kunst an der Schule für bildende Kunst in Athen. Seit 2009 hat sie mehr als 30 Tanzvideo-Workshops geleitet und mehr als 60 Werbefilme und Dokumentationen gedreht, sowie die DVD Die Rückkehr von Dionysus in Zusammenarbeit mit dem griechischen Regisseur Terzopoulos, mit dem sie seit 2012 fortwährend als Video-Archivarin kollaboriert. Sie hat unter anderem Videotanz-Vorführungen für L'Alternativa Film Festival (Spanien), Tanzrauschen (Wuppertal), Screendance: Practice & Theory / IUAV (Italien), Loikka (Finnland), Screendance Festival (Schweden), COORPI (Italien), Festival de Videodanza de Palma und Off Europa (Deutschland) kuriert. Sie war außerdem in der Jury der internationalen Tanzfilm-Wettbewerbe La Danza in 1 minuto in Italien (2017) und DesArts/DesCinés in Frankreich (2018). Als interdisziplinäre Künstlerin wurde sie freundlicherweise mit Zuschüssen von der Stiftung NEON, vom Griechischen Bundesministerium für Kultur und von der Compagnia di San Paolo im Rahmen der Ausschreibung ORA! Produzioni di cultura contemporanea unterstützt.

Angetrieben von den Ideen der Körperlichkeit und Körperformen, der Meditation und Kommunikation widmet sich Camilla dem Tanz, Yoga und der Schriftstellerei. Während der letzten 10 Jahre hat sie sich in die Ashtanga yoga Übungen vertieft. Bei den Lerneinheiten und Anwendungen der 3. Übungsserie wurde sie sich bewusst, dass sie ihr Wissen über diese Tradition mit anderen teilen möchte. Camilla ist inzwischen zertifizierte Yoga Lehrerin sowohl für Ashtanga/vinyasa yoga als auch Meditation und die Heilpraktiken des Usui Shiki Ryoho Reiki. Die letzten zwei Jahre hat sie in Shanghai verbracht, dort performt und ihre verschiedenen Anwendungspraktiken vertieft. Nun lebt Camilla in Berlin, wo sie ihrer Neugier freien Lauf lässt und ihre körperlichen als auch spirituellen Kenntnisse mit einem Abschluss in Philosophie erweitert.

Marion Sparber stammt ursprünglich aus Italien und erhielt ihre Tanzausbildung an den Instituten Varium und Iwanson. In ihrem Unterricht legt sie Wert auf das Finden eines gemeinsamen Körper und Geistes in der Gruppe um die Energie aller Teilnehmer/innen im Raum zu erhöhen und der individuellen kreativen Kraft einen Anschub zu geben. Sie war an etlichen Institutionen und Festivals in Europa, Amerika und Lateinamerika als Gastdozentin tätig. Als Tänzerin hat Marion mit ChoreografInnen und Kompanien wie Francisco Córdova/Physical Momentum, Stella Zannou, Sonia Rodriguez, ADN-Dialect, Eldon Pulak und der Weedance Company, gearbeitet. Ihre choreografischen Werke sind körperlich anspruchsvoll und theatralisch, wobei sie auch die Stimme miteinbezieht, mit Videoprojektionen und Livemusik arbeitet, und mit der vollen Bandbreite von Drama bis Komik spielt. Sie strebt danach andere zu inspirieren und genießt das Element der Überraschung in ihrer Arbeit. Seit vier Jahren erhält Marion eine Förderung von Italien und tourt international zu verschiedenen Festivals und Veranstaltungsorten. Zusammen mit Alan Fuentes Guerra hat sie die Plattform “Shared Levitation” gegründet, welche sich auf Partnering fokussiert. Beide genießen es in ihrem Unterricht Bewegungsfreudige mit unterschiedlichen Hintergründen zu begrüßen und freuen sich über einen Austausch mit anderen Stilen des zeitgenössischen Tanzes, sowie mit Zirkusdisziplinen, Kampfkunst, Kontaktimprovisation, Folkstanz, Paartanz, Acro-Yoga und Acro-Partnering.

Safet Mistele wurde 1992 in Laupheim, Baden-Württemberg, geboren. Er begann mit 14 Jahren in Wuppertal Hip-Hop zu tanzen. Ein Jahr später war er Teil der Teenager-Besetzung von Kontakthof mit Teenagern ab 14 von Pina Bausch, in der er bis 2012 tanzte. Diese Erfahrung überzeugte ihn zu einem professionellen Tänzer zu werden. Während seines Bachelor-Studiums hatte er die Möglichkeit, das Repertoire von Pina Bausch und José Limon zu lernen und zu tanzen. Ein Höhepunkt seines Bachelor-Studiums war die Teilnahme am Stück Le Sacre du Printemps von Pina Bausch. 2016 machte er seinen Master-Abschluss in Tanzkomposition/Interpretation an der Folkwang Universität, und wurde daraufhin eingeladen Gasttänzer beim Tanztheater Wuppertal von Pina Bausch zu werden. Im selben Jahr trat er auch als Gasttänzer dem Staatstheater Kassel bei. Seit August 2016 ist er Vollzeitmitglied der Kompanie unter der künstlerischen Leitung von Johannes Wieland.

Florian Hoffmeier hat über 15 Jahre Ausbildung im Bereich Capoeira, mit Weiterbildungen in Tanz, anderen Kampfkünsten, physischem Theater und somatischen Körperarbeiten. Er ist graduierter Arzt mit Arbeitserfahrung in Psychiatrie, Psychosomatik und Psychotherapie und hält ein Doktorat (Dr.) in Leistungsphysiologie im Professionellen Bühnentanz der Goethe Universität Frankfurt. In den vergangenen 15 Jahren, war er auf und hinter der Bühne an einer Vielzahl von künstlerischen und kulturellen Projekten beteiligt. Initial mit starkem Fokus auf sozio-kultureller Bildung, hat er in den letzten Jahren auch eigene künstlerische Stücke erarbeitet und aufgeführt (z.B. hobermans traum, Recursive, Yesterday - 1943). Den Workshop Physical Capoeira unterrichtet er international für darstellende Künstler. Er ist Vorstandsmitglied der GandhiServe-Stiftung, die sich für Frieden und Gewaltfreiheit einsetzt. Gemeinsam mit anderen Künstlern aus Berlin gründete er die Initiative Tensegrity Performance Lab ein Projekt für Bildung in darstellender Kunst und sozialer Interaktion. In seiner Freizeit kocht er gerne asiatisches Essen und läuft barfuß durch den Wald.